Juan Carlos Rulfo: El cine de la memoria

texto y fotografía ANDREI MALDONADO

En el marco de la Semana del Cine Mexicano en tu ciudad, iniciativa organizada por el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine), se llevó a cabo la retrospectiva de la obra del cineasta Juan Carlos Rulfo en Durango, la cual integró tres de sus más recientes largometrajes.

En entrevista para Cinéfagos Juan Carlos, heredero del prestigioso escritor Juan Rulfo, expresó que para él el cine ha sido el medio por el cual ha expresado sus inquietudes no solo artísticas, sino también de vida, más allá de que en su hogar no se hablará tanto del séptimo arte como de la fotografía, la música y la literatura.

Mencionó además que ha elegido como protagonistas de sus películas al olvido, el recuerdo y la memoria, pues para él es indispensable que las personas no olviden sus raíces, de dónde vienen, quiénes son y por qué están en este mundo, en una sociedad cuyo estandarte es la inmediatez, por lo que cualquier cosa se olvida.

¿POR QUÉ EL CINE?
El cine para mí llegó de poco a poco, yo no sabía qué era. Soy un melómano por naturaleza, me gusta mucho el sonido, la música. La luz y la fotografía, son elementos que han estado muy cerca de mí. Desde chico siempre estuve muy cerca de la música de mi padre, él me acercó a lo más básico de la música medieval. Me acercó a los trovadores, que es un poco contar historias con un ritmo. Siempre estuve lejos del mundo del cine, me tocó una época entre los últimos resquicios del cine de oro y el cine oscuro de los 70’s.

Llegó el tiempo de escoger una carrera y estaban todos esos elementos. Después muere mi padre y sucede un evento inesperado que es tomar mi primera cámara súper 8 en 1988 y me fui al sur de Jalisco a conocer a las personas que estuvieron cerca de la vida de mi padre para hacerles unas entrevistas y eso se llamaba documental y yo no lo sabía, no sabía que se podían hacer películas con esos materiales, sino que solo lo hacía por conocer y documentarme como tú lo estás haciendo ahora. Y me di cuenta de que esta gente tenía una forma particular de hablar, de contar las historias, y descubrí que sus historias tenían un lazo emocional con la historia de mi familia y con la historia de este país.

Todos estos elementos se vinieron a conjuntar cuando por alguna razón me metí a estudiar cine en una generación que tenía que ver más conmigo, una generación mucho más afectiva, con la que compartías la necesidad de construir una nueva forma de ver tu país. Entonces el cine que yo descubrí que me gusta hacer es esto, se llama “cine de la memoria”, por decirle de alguna manera, pues no es un documental, no trato de informar, trato de generar atmósferas y emocionar a la gente a través de lo propio. Se llama cine porque en un principio se llamó literatura, se llamó fotografía. Siempre es importante que recuerdes qué quieres contar, puede ser cualquier expresión del arte, en mi caso tenía que ver con el sonido y la imagen, la gente que se mueve. Acabó siendo cine. Larga explicación, tú fuiste el responsable por tu pregunta (risas).

¿CÓMO CONCIBES CONCEPTOS COMO MEMORIA, TIEMPO, OLVIDO, RECUERDO?
¡Estás muy sofisticado carnal! (risas) ¡es toda una tesis eso! Hacer cine es tratar de hacerlo y contar historias que te dicen que hay que contar. Pero cuando por alguna razón haces estos pasos de los que te conté, es decir tener una base personal que se construyó por la ociosidad como maravillarse por la fotografía hasta llorar o escuchar música y que se conjuga con eventos como la pérdida de tu familia, con todo eso construyes un discurso donde recopiles todas esas cosas que dice toda esta gente que se va a ir. Entonces descubres algo que tiene que ver con la raíz. A partir de entonces creo que es difícil tratar de hacer cualquier cosa si no estás consciente y sabes de dónde vienes y por qué haces lo que haces, no porque así te lo dijeron o así deba de ser. En mi caso la memoria, el tiempo, el olvido, el recuerdo son fundamentales porque estamos instaurados en un tiempo donde el olvido es inminente y se te pide no tener memoria.

Te das cuenta porque ves que se rescatan casas antiguas que estaban en el olvido y de repente son los elementos para que un sitio se vuelva turístico. Acabo de venir de los sets cinematográficos del western (Villa del Oeste) y me pongo a pensar que quizá hace unos años no tenían tanta importancia como la pueden tener ahora. O como por ejemplo el Paricutin, donde un pueblo se ve envuelto en la tragedia de la lava y la gente tiene que salir de ahí y ahora las personas viven de las historias que cuentan de lo que pasó en ese lugar. Yo creo que el recuerdo es fundamental, que no podemos vivir sin memoria y que el olvido es la amenaza que cualquier persona debe combatir. Es el “dark site” (risas). Debería existir una materia que se llame “el olvido en el que vivimos” como parte de la ética personal (risas).

¿HA HABIDO DESCUBRIMIENTOS EN ESTOS VIAJES QUE SE HAN HECHO PARA CONFORMAR LA FILMOGRAFÍA DE JUAN CARLOS RULFO?
Por supuesto, siempre estás en el encuentro con personas aunque en esto viajes yo no tenía a nadie que yo conociera que me pudiera mover de tal manera. Lo que sí me emociona es la naturaleza, todo lo que tiene que ver con la naturaleza originaria de los pueblos, que me pone a pensar en que México es un país extra-ordinario que tiene una gran cantidad de recursos naturales y humanos que están totalmente desconocidos. Que de pronto tuvo un conocimiento antropológico tal en los 50´s pero que todo se volvió un objeto de estudio extraño y que ahora tendríamos que volver y empezar de cero, tratar de conocernos y en ese proceso queda todo por hacer. Cada espacio, cada ser, está totalmente inexplorado a nivel audiovisual. Las comunidades indígenas, no digo del país, tan solo de este estado, hay mucho por saber de ellas, y no que yo o cualquiera de nosotros lo documentemos, sino que se les capacite y que ellos tomen la cámara y nos cuenten cómo son y qué tienen qué decir.

HAY DOS DERROTEROS MUY MARCADOS EN EL CINE MEXICANO ACTUAL, TANTO EN FICCIÓN COMO EN DOCUMENTAL, QUE ES EL CINE DE DENUNCIA DE CIERTOS TEMAS QUE INQUIETAN A LA SOCIEDAD Y EL CINE PERSONAL, MUY DE AUTOR ¿CUÁL TIENE MAYOR TRASCENDENCIA?
Creo que los dos son muy importantes. Pueden coexistir. Creo que el tema de la denuncia no está consolidado. Hay un tercer ámbito que es el conocer el contexto actual de tu país, si lo queremos cerrar al campo del cine, pero nos haría falta contar la literatura, la pintura y el teatro para que se consolide en cada estado como algo concreto que estamos haciendo. En cada una de las artes gente se va y gente nueva está haciendo algo y el cine es muy sensible para conjugar todos estos elementos. Insisto en que se debe partir de algo personal para poderlo conjugar con algo universal, pero la denuncia apenas se está comprendiendo porque la realidad mexicana es muy compleja. La denuncia como se da suele ser muy desinformativa porque no es profunda.

Para que se dé una denuncia efectiva en el buen sentido de la palabra y en el grave también hace falta algo. Hay mucho temor, mucha autocensura y en ese sentido hace falta transgredirnos y tratar de hacer un discurso que sea fino, elegante y contundente. La parte personal te permite ser contundente en lo social, que ese es el pretexto para escabullirte sin que se note directamente tu denuncia ¿Por qué no le cuentas a la gente cómo tu papá te contaba historias de cómo era México antes? Es decir, hacer cine no es hacer denuncia o hacer algo personal, es hacer cine solamente. El aspecto cinematográfico es contar con todos estos elementos para hacer una cosa elegante que hable del universo.

HAY QUIENES DICEN QUE AL SER TAN PERSONAL SE DEJA DE LADO QUE EL PÚBLICO SIENTA EMPATÍA CON EL DISCURSO ¿CÓMO ATRIBUIR QUE TANTAS PERSONAS SE IDENTIFIQUEN CON TUS OBRAS?
Yo creo que no son tan personales. Nacen de una intensión personal como la memoria y el olvido, solo hace falta que alguien llegue y te lo recuerde, te lo presente en imágenes. Todos sabemos que hay esos elementos, pero cuando te los presentan de una manera distinta a la que los conocías es cuando viene la sorpresa. Los ingredientes del gourmet son imprescindibles para ejemplificar eso. Los elementos ahí están, pero quizá no los hemos probado. Y ahí afuera hay una comunidad gustosa de probar nuevos platillos. No puedes presentar el mismo plato de siempre. Es decir, hay injusticia en el mundo ¿pero cómo vas a presentar esa injusticia? Ya hemos visto la perspectiva del indígena explotado por el patrón ¿pero qué otra cara no hemos visto? Quizá la de explotador o la de otros explotados. El lugar común ya chole. Aparentemente es lo que vende, pero cuando alguien “se vuela la tranca” y presenta de una manera distinta la vida cotidiana es ahí donde está el reto, es el trabajo que hay que hacer todos los días.

¿QUÉ LE QUEDA POR FILMAR A JUAN CARLOS RULFO?
¡Pues todo! (risas) todo porque apenas estoy saliendo de un trance que tiene que ver con lo personal, como tú dices, y ahora que tengo esa base consolidada estoy tratando de ver otras cosas, muchas cosas, el mundo entero con esa base. Lo que pasa es que es muy agotador, cada película te lleva dos o tres años, y lo que pasa es que donde decides meterte en algo debes estar muy seguro de que estarás sumergido por muy buen tiempo y necesitas tener la capacidad para aguantar la respiración. Hay muchos temas. México es un territorio inexplorado. Ahí está por ejemplo el tema de la violencia y el narco, pero me da una flojera el rollo de la denuncia fácil y superficial. No hemos entrado en los siguientes niveles de la denuncia, estamos en las primeras capas y no queremos ver al fondo porque es algo inusitado.

Te das cuenta o cuando menos imaginas hasta donde están conectadas todas estas fibras que mantienen al país como está, pero tengo fe en las nuevas generaciones, incluso de la política, para que puedan girar un poco esto, falta tocar fondo. Pero a través del arte podemos entrar y sensibilizar a quien debamos sensibilizar, si no para que las cosas mejoren sí para tener una óptica distinta

Los que se quedan: el otro lado del “american dream”

texto ANDREI MALDONADO

Miles han sido las historias, ficcionadas o documentadas, que el cine y la televisión han explotado en torno a la migración. Desde la vida en las fronteras y la travesía en el desierto, hasta cómo se ganan la vida aquellos connacionales que dejaron atrás a sus familias por perseguir “el sueño americano”. Pero ¿qué pasa precisamente con esas familias, hijos, padres, esposas, los que se quedan?

La recurrencia de Juan Carlos Rulfo por sus protagonistas favoritos –el olvido, el recuerdo y la memoria- cobran vida en Los que se quedan. Puebla, Michoacán, Zacatecas y Oaxaca, donde habitan decenas de familias que tienen a quien echar de menos. Hombres y mujeres que dejan sus sitios de origen por buscar una vida mejor y con ello darles una mejor vida a los suyos en México.

Escena 1: “El recuerdo”: una niña extraña a su padre. Lo único que tiene de él es su voz a través del teléfono, viajando miles de kilómetros hasta ella, que no olvida como cada vez que viene a visitarla él se va, dejando únicamente un beso en la frente en plena madrugada y la pregunta constante: “¿volverá?”

Escena 2: “La memoria”: un hombre se da tiempo para degustar los platillos que tanto ama. Fiesta con la familia, discutir con su mujer. Cada tradición y acto repetitivo conservado en el inconsciente. La repetición ha dejado huellas en su piel, lo que hace más difícil su despedida y se pregunta: “¿volveré?”

Escena 3: “El olvido”: un hombre ante la cámara advierte que lo más triste son las razones por las cuales muchos compatriotas no regresan: se han olvidado de sus raíces, ya no se sienten parte. Ante el lienzo charro que le construyera a su padre con el dinero conseguido en otras tierras se responde: “¿por qué volvimos?”

La vida para quienes se quedan en México no es más sencilla que la vida de quienes han partido con rumbo al norte y ese quizá sea el legado más importante que Juan Carlos Rulfo deja con su trabajo: acá, de este lado del río, la memoria perdura, el recuerdo habla y no hay lugar para el olvido.

Carriere 250 Metros: El documental hecho ficción

texto ANDREI MALDONADO

La labor de un director de cine continuamente es relacionada a la de alguien con un gran ego. Salvo trabajos bajo encargo muchos de los realizadores plasman su sello y buscan con su cinta hacerse de un nombre, un estilo inigualable que les haga perdurar en la historia ¿acaso habrá algo más noble y comprometido que hacer que tu protagonista sea el director de tu película?

Juan Carlos Rulfo (En el Hoyo, Los que se quedan) convierte un documental acerca del laureado guionista de la Nouvelle Vague Jean Claude Carriere en una película acerca de los viajes a las siete estaciones del alma, hacia el pasado de un hombre que trabajó e hizo amistad con los más grandes iconos del arte del Siglo XX como Milos Forman, Luis Buñuel o Janis Joplin.

Heredero no de un apellido sino de una visión cosmogónica de la vida, Rulfo permite que su cinta “sin guión” se convierta en otra de las películas de Carriere, en donde el francés recorre los lugares y los no-lugares que han formado parte de su vida: el Santuario de las Mariposas Monarca, Teotihuacán, Tlatelolco, Central Park, París, la India, Toledo, el Sena, Manhattan.

Como si fuera Bella de Día o El discreto encanto de la burguesía, Carriere afila su pluma y convierte las cartas dedicadas a su mujer e hijas en el guión de una inmejorable ficción, todo retratado ante la lente de un Juan Carlos inalcanzable, insaciable ante la figura de un hombre que, como todo gran poeta, es incomprensible para su tiempo y su medio.

Carriere, 250 metros no es un homenaje a un hombre de cine, aunque lo sea. Es un homenaje a la vida misma, al recuerdo, a la memoria e inclusive a eso que se escapa de nosotros, eso que llamamos olvido. Al final la nación más bella del recorrido es la séptima: el país de las ideas, los guiones sin filmar de Jean Claude, cuya capital se llama “Tiempo”.

Desierto adentro: el perdón que no llega

por ANDREI MALDONADO

La culpa ha sido, durante eones, el motor de los mejores y peores actos de la humanidad. A través de ella decenas de religiones han sentado sus bases para que los miembros de las congregaciones se apeguen a los dogmas so pena de la expiación, de las flagelaciones y los actos de arrepentimiento logrando el buen comportamiento de sus fieles… pero también los peores crímenes.

En Desierto Adentro (2009) el desierto toma vida como protagonista de una metáfora bíblica, siendo este un lugar sumamente visitado por varios de los personajes del Antiguo Testamento. Fieles creyentes de la palabra de Dios como Moisés, José, Abraham y hasta el mismo Jesús, que sufrieron del destierro auto-inducido en búsqueda de respuestas y perdón.

En la cinta Rodrigo Plá construye no un drama sino una tragedia al más puro estilo de Buñuel en donde Elías (Mario Zaragoza) se aísla en el desierto junto a sus siete hijos impulsado por la culpa de no apoyar el movimiento cristero, mismo que le costó la pérdida de su hijo Aureliano. Como presagio de la tragedia su octavo vástago, quien nace con la muerte de su mujer, recibe este nombre.

Llueve en el desierto, premonición de desgracia. Convencido de que Aureliano es un regalo divino, Elías lo mantendrá aislado del pecado, la enfermedad o la suciedad, esperando la señal que signifique que allá en los cielos su error ha sido perdonado. Pero algunas señales son invisibles para aquellos que no quieren ver, y para aumentar la culpa nada peor que la laceración.

Con ciertos elementos reconocibles de la tradición bíblica y del cine filmado por Alejandro Jodorowsky en El Topo y de Arturo Risptein en El Castillo de la Pureza, Plá consigue fabricar una obra maestra en donde cada uno de los pasajes de la historia cobran fuerza con las imágenes alusivas a la religión. Sencillamente la cinta que a Luis Buñuel le habría gustado filmar.

¡Larga vida al Festival Internacional de Cine de Los Cabos!

con información del IMCINE

Con la frase “¡Larga vida al Festival Internacional de Cine de los Cabos!, pronunciada por Jorge Sánchez –director general del Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine)–, dieron inicio desde el Pabellón Cultural de Cabo San Lucas, las actividades de la quinta edición de este encuentro fílmico.

“Me da gusto estar aquí para celebrar los primeros cinco años del festival. Felicito a los organizadores por la excelente programación y por las actividades de industria acordes al gran momento que vive el cine mexicano”, expresó Sánchez.

Por primera vez, el CIFF (siglas en inglés del certamen), presenta Los Cabos Meet-Mart, un mercado de cine y televisión que introducirá lo mejor del talento de México y el resto de América Latina al mercado estadounidense y canadiense.

Este espacio representa un encuentro entre 400 ejecutivos, entre los que se destacan exclusivos grupos de vendedores, empresas de financiamiento, productores, compradores de cine, TV y plataformas de streaming.

“Hoy más que nunca, el Festival Internacional de Cine de Los Cabos refrenda su compromiso como un encuentro entre México y Norteamérica. El CIFF busca construir puentes, no muros”, dijo Alonso Aguilar, director del encuentro fílmico.

Imcine y CIFF -en coordinación con el Canadá Media Fund- se unen para realizar un Encuentro binacional entre productores mexicanos y canadienses. La finalidad es discutir sobre las series dramatizadas para televisión.

En un trabajo conjunto, Imcine también ofrece este año un Seminario dirigido a los distribuidores y exhibidores independientes, con el objetivo de abrir ventanas para el cine mexicano en el mercado internacional.

El CIFF cuenta con un perfil propio, enfocado a la relación de la industria y mercado como detonador del cine nacional. Las ventas internacionales, distribución y plataformas digitales, son elementos que propician ese impulso.

Seis producciones del Imcine participan en Los Cabos

El Festival Internacional de Cine de Los Cabos (CIFF), ofrece lo mejor de la cinematografía, con historias que representan un puente entre México, Estados Unidos y Canadá.

En esta ocasión se presentan dos coproducciones en la Competencia Los Cabos y seis más en la sección México Primero, donde el 66% por ciento de las películas participantes son apoyadas por el Imcine.

Este respaldo es a través del Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (Foprocine) y el Estímulo Fiscal a Proyectos de Inversión en la Producción Cinematográfica (Eficine).

En México Primero participan los largometrajes Tamara y la catarina (Foprocine y Eficine), de Lucía Carreras; Carroña (Foprocine), de Sebastián Hiriart; Bellas de noche (Eficine), de María José Cuevas; y X500 (Eficine), de Juan Andrés Arango.

Mientras que en la Competencia Los Cabos se encuentra La región salvaje (Foprocine y Eficine), la más reciente obra de Amat Escalante, ganador del premio a mejor director en la pasada edición del Festival de Cine de Venecia.

Finalmente, en la sección Special Presentations destaca La habitación (Eficine), dirigida por seis realizadores: Carlos Carrera, Natalia Beristáin, Ernesto Contreras, Carlos Bolado, Daniel Giménez Cacho, Iván Ávila Dueñas, Alejandro Valle y Alfonso Pineda Ulloa.

En el hoyo: la ciudad es un mito

texto ANDREI MALDONADO

Si en Carriere, 250 metros Juan Carlos Rulfo nos invitó a preguntarnos qué era una nación en En el Hoyo el heredero del gran escritor nos cuestiona ¿qué es una ciudad? ¿Quiénes son realmente sus pobladores? ¿Cuál es el idioma que hablan? Y ¿qué estandarte podría representarlos?

En torno a la construcción del segundo piso del Periférico Juan Carlos da vida a un ensayo cuyo principal arquitecto es la voz y el ansia de habitar algo más que un montón de concreto y asfalto. Agustín, El Guapo, Chabelo, Vicencio, Chompiras, Tomás, El Grande y Natividad dejan de ser la mano de obra para convertirse en los orquestadores de una realidad. La vida se convierte en un albur.

La demencial Ciudad de México se construye desde las alturas y corre como un río enloquecido de autos debajo de sus pies. Sabedores de su sitio en el engranaje de la capital del país, los obreros dedican su tiempo entre martillazo y martillazo a cuestionarse sobre qué harían si fueran presidentes, si Dios o el Diablo hablan con ellos, sobre por qué luchan, sobre sus sueños.

Una vez más Juan Carlos Rulfo consigue dar esa vuelta de tuerca que convierte una de las obras de ingeniería vial más cuestionadas en la historia de la ciudad más poblada del mundo en un micro-universo donde la urbe son un par de torres de cemento y sus habitantes tienen tanta vida como el resto de los 20 millones de habitantes que moran las atiborradas calles del Distrito Federal.

Verano de Goliat: ensayo sobre lo que es el cine

texto ANDREI MALDONADO

¿Qué es el cine? Quizá sea una pregunta difícil de responder pese a que este arte tiene ya 120 años de existencia en nuestro país. Algunos dicen que es el arte de contar historias, pero ¿qué clase de historias? ¿Ficciones, drama, acción, terror? Quizá la respuesta más cercana a la realidad debería ser otra pregunta ¿Qué clase de historias queremos ver en pantalla?

Verano de Goliat (2010) es la quinta cinta dirigida por Nicolás Pereda en lo que parece ser un ciclo dividido en cinco estaciones donde sus personajes viven el eterno retorno –aquel del cual hablaba Nietzsche- de una vida donde doña Teresa siempre será Doña Teresa, Gabino siempre será Gabino y su novia siempre será su novia, más allá de las circunstancias, los entornos y los momentos.

Verano de Goliat permite reflexionar acerca de qué historias deben contarse, pero todavía más abre el espacio para saber qué cine queremos mirar. Diálogos y actuaciones próximas a la realidad, personajes llevados al extremo de sus emociones, la entrevista y el documental interviniendo en la ficción, haciendo imperceptible entre lo real y lo que imaginamos.

Nicolás Pereda sabe llevar con maestría al espectador hacia los diversos derroteros que propone su película, y eso es estar horadando el camino para un nuevo cine y para un nuevo tipo de espectadores.

La niña de la mina: imaginario mexicano al servicio del cine

texto ANDREI MALDONADO

La riqueza de la cultura mexicana, además de su gastronomía, tradiciones y arquitectura, está muy bien representada por sus relatos, mitos y leyendas, algunos provenientes de sus cientos de pueblos indígenas, otros originarios del tiempo de la Colonia y algunos más construidos en torno a la época revolucionaria. Aparecidos, ánimas, momias, nahuales, fantasmas y monstruos. Espíritus malditos que asolan haciendas, casas abandonadas, pueblos enteros… minas.

Si existe un sitio donde las leyendas son abundantes ese es Guanajuato, tierra de famosas momias y minas abandonadas en donde tiene lugar La Niña de la Mina (2016), dirigida por Jorge Eduardo Ramírez, un relato que aprovecha a la perfección las leyendas populares y le da el toque perfecto: elementos adicionales que la convierten en un mito urbano, propio de la tradición de los juglares, que hacen que el relato cambie de boca en boca, haciendo más grandes los miedos.

Con una producción impecable, donde cada elemento –fotografía, vestuario, arte, caracterización, efectos visuales, actuaciones- ensambla perfecto con el guión, La Niña de la Mina es la herencia viva del terror que filmara antaño Carlos Enrique Taboada, donde el miedo se hace vivo a cada minuto de la cinta, sin dejar de lado el tinte cómico que caracteriza hasta el más asustadizo de los mexicanos. Lo más importante es que esta película abre la puerta a que más leyendas y mitos lleguen a la pantalla grande.

Me gusta contar historias y me gusta contar con la gente para contarlas: Silverio Palacios

texto SETH ÁLVAREZ

Tuve una plática con Silverio Palacios, este actor colimense que tuvo su primer experiencia actoral en la Compañía de Teatro de la Universidad de Colima a los 15 años mientras estudiaba música en el CEDART del INBA del estado. Luego, al término de su carrera, se fue de Colima al entonces D.F. e ingresó al Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM, donde obtuvo el diplomado de actuación en 1993.

¿Cuál es tu primera obra de teatro como actor ya titulado?
Una obra llamada “El Contrapaso”, dirigida por José Caballero, escrita por Thomas Middleton y William Rowley, dramaturgos ingleses, coetáneos de Shakespeare. En esa puesta en escena interpretaba un personaje parecido al jorobado de Notre Dame. A partir de ahí conseguí algunos contactos para el cine.

¿Cuál fue tu primera película?
“En el Aire” que dirigió Juan Carlos de Llaca.

¿Cómo fue tu experiencia en esa peli?
Fue algo completamente desconocido. Actuar frente a la cámara, sin espectadores enfrente, donde no recibes una reacción inmediata. Era extraño, sin embargo, podía percibir como contenían su reacción, si les gustaba o no, me refiero al fotógrafo, al director, al crew.

¿Cuál fue la siguiente película?
Y tu mamá también de Carlos Cuarón. Yo hacía mucho teatro en ese entonces y no esperaba un efecto así, de mi modesta interpretación de Chuy el lanchero en esa película. Creía que iba a ser actor de teatro siempre, el cine es para guapos, pensaba (risas).

¿Pero te gustó esa experiencia? Dijiste, sí, va.
Sí, claro, por supuesto.

¿Cuál fue la peli que te dio a conocer, digamos masivamente? ¿Matando Cabos?
Si, fue la película que, digamos, me catapultó…

¿Se hacía mucho cine en esa época?
Sí. Había como un movimiento de producción cinematográfica pujante, por así decirlo, que desde entonces se mencionaba como nuevo cine mexicano, con directores inquietos; jóvenes egresados de las escuelas de cine más importantes de México: el CUEC y el CCC.

¿Y luego, que siguió?
Recibí un reconocimiento inesperado por trabajo como actor en el cine de parte de los espectadores y además recibí mi primera nominación al Ariel por Sin ton ni Sonia, algo conque no contaba desde luego.

¿Cuál es la peli que tú crees te ha dado más como actor?
En esa época se hizo un proyecto que creo que es la que más me ha retribuido como actor profesionalmente en el cine, que es un cortometraje de Carlos Carrera que se llama Barbacoa de chivo parte de la compilación de cortometrajes conocida comercialmente como Cero y van cuatro.

De los mejores cortos.
De acuerdo. De ahí vinieron personajes como: Juan Pérez, de Conozca la cabeza de Juan Pérez, el Quino de Morirse en domingo y el Silverio Palacios de Acorazado entre muchos otros; como ves me ha tocado la dicha de hacer personajes que tienen tal valor argumental que destacan por sí solos; otro caso por ejemplo es el de los gemelos Pánfilo y la Cucaracha de El infierno. Soy afortunado, me invitan a interpretar bonitos, bien desarrollados, bien escritos.

¿Y el teatro? ¿Qué onda ahorita?
El teatro es algo que tengo pendiente ahora, me formé en el escenario teatral y es algo que necesito hacer permanentemente. Pero de pronto la manera de sobrevivir de este medio me obliga a optar por formas de trabajo que me reditúan más rápido y mejor. El teatro exige bastante, es mucho rigor, ensayos, demanda mucho tiempo y no es tan retribuido desafortunadamente como quisiera, aunque es un trabajo muy digno.

Tú eres actor, director, escritor, poeta, etc. pero en tu faceta de actor que creo que es la principal, ¿cuál es tu proceso creativo para los personajes? ¿Cómo creas tus personajes?

A mí me gusta el asunto creativo en general. Yo me especialicé como actor, cierto. Estudié la carrera de actuación y es en la que más me he desempeñado por supuesto; las demás son facetas colaterales, que si bien también las he venido desarrollando con suficiente rigor, no tengo el grado académico que me permita hacerme llamar director, por ejemplo.

¿Pero sí la experiencia?
Pues sí, de alguna manera en eso estamos. En cuanto a mi proceso creativo siento que obedece a una necesidad de expresarme. Opinar sobre diversos temas y es una búsqueda por crear un lenguaje propio. Los personajes que me ofrecen y los que yo mismo creo son el vehículo ideal para ello.

¿Cómo te has sentido en tu faceta de director de cortos?
Me siento muy feliz de poder dirigir actores excelentes. Me gusta contar historias y me gusta contar con gente para contarlas. El trabajo en equipo es una de las experiencias más provechosas que puede tener cualquier ser humano. Porque es justamente ahí donde puedes encontrar cuan rica e inmensa es la gama de posibilidades de entender todo tu entorno. Tú no lo puedes entender solo a partir de tu punto de vista o tu propio impulso de investigación, sino de varios puntos de vista y eso genera una experiencia única, porque finalmente somos parte de un entorno, de una comunidad.

Hablando de la experiencia y el trabajo en equipo, platícame un poco de tu taller.
Se llama TEA, Taller de Especialización Actoral. Desarrollamos una serie de dinámicas para investigar sobre el proceso creativo del actor, que para mí es el mismo que el de cualquier otra rama de la creación artística. Nos ocupamos de que cada uno de los alumnos del TEA encuentre sus propios valores, sus propios recursos, sus propios códigos, sus propias formas de expresarse, partiendo de una necesidad única, propia, que es la de ser uno mismo. El TEA es un laboratorio de búsqueda rigurosa del conocimiento de las formas, los medios y los requisitos para poder expresarse como actor, luego entonces como ser humano.

¿Dónde das estos talleres o dónde podemos encontrar la información?
En la página de Facebook: https://www.facebook.com/SilverioPalciosCineAdrede/
Ahí posteamos fechas y lugares donde los realizamos.

Y finalmente ¿Qué hay más adelante para don Silverio?
Deseo seguir creando, produciendo, seguir realizando, seguir compartiendo mi experiencia con los chavos, que para mí, es muy enriquecedor.

Editorial: siempre es bueno agradecer

texto ANDREI MALDONADO

La edición de Cinéfagos que hoy pueden disfrutar debe mucho (o todo) a la cobertura que con gran esmero realizó nuestra compañera Nitzia Ruiz Zapatero de la decimonovena edición del Festival Internacional de Cine de Guanajuato. Este certamen, uno de los más importantes del país, representa la cobertura más importante que ha hecho Cinéfagos en tres años.

Es por eso que en esta editorial quiero, a nombre de todos los que hacemos esta revista, hacer un sentido reconocimiento a su labor, pues no es la primera vez que podemos contar con una gran cobertura de su parte, pues en dos ocasiones nos compartió las actividades del Foro Cinematográfico Carpe Diem y recientemente de la entrega de los premios Ariel 2016.

Pero el agradecimiento no es solo hacia Nitzia, lo es también para todos aquellos compañeros que llevan años ayudándonos desde sus lugares de origen entrevistando a personalidades del cine como Seth Álvarez, a quien además le debemos la cobertura del Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2016 y del Festival Colima de Cine del año pasado.

Tampoco podemos dejar de lado a Juan José Antuna Ortiz, quien además de regalarnos cada edición las reseñas de las mejores películas actuales y clásicas, este año cubrió por interés propio el Festival de Cine del pueblo mágico de Todos Santos y La Paz, en Baja California Sur, lo que ha ido permitiéndonos ser leídos en todas partes de la República Mexicana.

Así como ellos a lo largo de poco más de tres años hemos contado con textos provenientes desde Guadalajara, Torreón, Zacatecas, Monterrey y la Ciudad de México, de personas cuya única motivación es compartir con alguien más lo que tanto aman: el cine en todas sus posibilidades. A todos ellos gracias, infinitas gracias. Ustedes han sido, son y serán parte de esta historia.

Esperamos que tras estas letras ustedes, nuestros queridos lectores, se unan a esta aventura. Compártannos eso que les hace amar el cine. Contagiémonos todos de celuloide. Sigamos alimentándonos del séptimo arte.

Purgatorio: En medio de dos oportunidades

texto ERIC EDUARTE VILLA

Libertad, qué palabra tan bella y complicada de conquistar. Cuántos intentos se han hecho para alcanzarla, día tras día, año tras año se busca ese anhelo. El documental de Rodrigo Reyes retrata apenas un poco de ese peregrinar de miles de indocumentados que buscan el llamado sueño americano.
De entrada es apreciable el trabajo visual llevándolo a un contexto cinematográfico. Con sonidos que perturban los oídos, dejando una incomodidad auditiva y no, no es algún error o defecto de sonido, así de incómodo se sienten estos temas y se vuelve más incomodo con las escenas de un don nadie ejecutado, que no era un don nadie, era una persona con familia y ganas de vivir, un funeral donde te preguntas ¿Por qué pasa todo esto? ¿Por qué vivimos así?

Desesperante, inquietante, desgarrador, trágico, volviéndose una transgresión al ojo y al sentir humano. No resulta digerible pero al mismo tiempo lo es, ya que estamos viendo la realidad del entorno en el nos desenvolvemos. Y nuevamente las imágenes nos demuestran que las fronteras se pierden en la vista natural del paisaje verdoso o desértico, las aves cruzan sin peaje ni pasaportes, no es sólo ver la cruda realidad de las ciudades fronterizas de México-Estados Unidos, es un mensaje hacia esa libertad, donde todo inicia, ese sueño que esperamos alcanzar un día, no sólo en las fronteras sino en todos los sentidos de la vida.

Al final del documental todo debía ser fiesta con el canto de la ‘Mañanitas’ pero al ver que le cantan a un muerto, en un panteón, difícil describir el sentimiento, ¿aplaudir o no aplaudir con este trabajo? sólo algo es seguro, lo que resulta al terminar la proyección.

La Caridad: El arte de dar y recibir

texto ERIC EDUARTE VILLA

El cine es un acontecimiento que requiere una absoluta coordinación para que todo funcione como el mecanismo de un reloj. Cuando todo marcha en orden y a lo planeado la película puede garantizarse. Claro, siempre debe de haber una gran historia que respalde el monumental trabajo de la producción. La cinta de Marcelino Islas maneja las piezas en el tablero para dar esa Caridad al espectador.

La historia de un hombre adulto que tras un accidente de automóvil tendrá que permanecer en la invalidez, limitándose a continuar con las actividades que a diario realizaba. De ahí comienza la vida del personaje o bien vuelve a sus años de juventud, buscando demostrar que cualquier adversidad no es obstáculo, ser independiente, siguiendo demostrando que es como cualquier otra persona.

Jaime Garza le apuesta a esta cinta tras un par de años ausente en el medio escénico, como si estuviera interpretando a su personaje que le da el boleto de regreso a la pantalla grande, obtiene esa fuerza para entregar una de sus mejores actuaciones.

Todo esto mezclado con una organización técnica en imagen y sonido. La película se transforma en un reloj que marca la hora en el momento exacto. Con planos de cámara que manejan el discurso narrativo de la historia, sabiendo el director dónde y qué emplazamiento funciona para la acción en turno, convirtiendo los silencios en diálogos y los sonidos en música que componen este rompecabezas bien estructurado desde su planeación. Y la búsqueda al final de la persona retorna siempre a esa vida transformada o bien resolviendo sus ansiedades.

La Giovinezza: juventud eterna

texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

¿Vale la pena esperar más de un año para ver lo mejor del cine europeo en nuestro país en vez de verlo en una plataforma online en la comodidad de nuestra casa? Por supuesto que vale la pena y para comprobarlo hoy quiero compartirles mi sentir en torno del último filme del realizador italiano Paolo Sorrentino: La Giovinezza.

Después de su pulcra obra La Gran Bellezza, Paolo Sorrentino nos entrega en el 2015 su último gran trabajo La Giovinezza, la cual se estrena en la selección oficial de competencia en Cannes en donde obtiene en su mayoría buenos comentarios, lo cual no nos debería de decir mucho pues como sabemos algunas veces los críticos de cine escriben según el auge que esté en cuestión.

La Giovinezza nos cuenta la vida del director de orquesta retirado Fred Ballinger, quien se encuentra de vacaciones en un hotel suizo junto con su mejor amigo Mick Boyle, un director de cine que se encuentra escribiendo el guion del que será su último filme y con el que dejaría todo su legado para la eternidad, su “testamento” como él lo llama.

Sometido a la presión de un enviado de la reina Isabel II para que toque en el cumpleaños del Príncipe Felipe una canción que él no tiene ni el más mínimo interés de volver a dirigir, su hija y sus problemas maritales con el hijo de Mick y sus recados de editores italianos y franceses que insisten en que escriba una biografía, Fred se reconforta en las pláticas con su viejo amigo sobre sus mejores épocas y haciéndole bromas el cual siempre le cree.

Ahí también conocen al joven actor Jimmy Tree, el cual también pasa muchas tardes y charlas con Fred y Mick, pues está en el hotel para preparar un personaje (el cual más adelante nos percatamos en la película que es nada más y nada menos que a Adolf Hitler). Al final con unos personajes que pierden todo y otros que encuentran lo que buscaban, “La juventud” se encuentra al final del viaje, cuando se sabe que no importa en donde concluya la aventura, porque de eso no se trata el camino.

Paolo Sorrentino no sólo nos tiene acostumbrados en sus filmes a una belleza y una poesía escrita, también a una belleza y poesía visual; una fotografía inmejorable, cada escena, cada toma, cada cuadro de esta película pareciera más una sucesión de hermosas pinturas en movimiento, los colores que brillan en una inmensa oscuridad, una obsesión casi incontrolable de él hacia los tonos amarillos.

La película no tiene la “fuerza” que tiene La Gran Bellezza, pero no deja de ser hermosa, divertida, cruda, real y encantadora. Vemos las actuaciones de un todopoderoso como lo es Sir Michael Caine que deslumbra, un Harvey Keitel a la altura de su co-estelar, y un talentosísimo Paul Dano que pareciera es lo único rescatable de una generación que parecía no nos regalaría actores de época y acá está este joven sacando la cara, haciendo una majestuosa actuación. Rachel Weisz, Jane Fonda y demás actores hacen que esta película sea redonda. (como el Maradona y la Miss Universo que podemos apreciar en este filme).

El final es tan enigmático que uno se engancha más en la historia, pues cuando un pensara que la vida ya no da para más, cuando hay que dejar de hacer lo que uno amaba cuando aún podía, la poesía, la belleza de lo cotidiano, las personas nos hacen entender que las vivencias, los sentimientos, las emociones y el amor nos hacen jóvenes eternamente, y también nos convertimos en seres inmortales, como las películas.

Semana del Cine Mexicano en tu Ciudad: Durango

texto y fotografía ERIC EDUARTE VILLA

Apenas a finales de mayo concluido el Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango, ya se extrañaba todos los momentos ofrecidos durante el certamen. Desde hace un año al poco tiempo de finalizado el festival se realiza la semana de cine mexicano en tu ciudad que tiene el propósito de difundir por todo el país el cine nacional realizado en distintos años, dando así oportunidad a películas que llegan a tener más de una década ser mostradas nuevamente, incluyendo una charla con sus creadores o gente involucrada de alguna manera en la producción, de esa manera se llegan apreciar de una forma que tal vez no habían tenido durante su etapa de estreno.

Como si se tratase de un mini-festival o la continuación del mismo festival de Cine nacional celebrado en la capital duranguense, la segunda edición de la semana de la semana de cine mexicano en Durango, ofreció un sabor de fiesta cinematográfica donde se logró disfrutar de una función inaugural de gala con la proyección de la cinta ‘La Niña de la Mina’ de Jorge Eduardo Ramírez, el majestuoso Teatro Victoria reabría sus puertas para el séptimo arte. Clases magistrales donde destacó la charla del documentalista mexicano Juan Carlos Rulfo, que dentro de la semana se proyectaron tres de sus trabajos: Los que se quedan, Carriérre 250 Metros y En el Hoyo. Siendo así el homenajeado en estos 6 días de cine mexicano. También sobresalieron las clases de cine fotografía impartida por Alejandro Coronado y la de Actuación en el cine llevada a cabo por el actor Gabino Rodríguez.

Si faltaba algo más era tener la presencia del director Juan Antonio de la Riva quien volvía a su tierra natal para presentar el libro “La Fabrica de los Sueños: Estudios Churubusco”. Una semana de colorido mexicano como la exposición de Carteles dedicados al cine de los enmascarados del ring.
Lo más importante visto en esa semana de cine fue el gran interés naciente por el cine mexicano por parte de los asistentes pero más que nada su curiosidad por saber más del séptimo arte en general, sobre cómo se filma una película y poderla apreciar, en los talleres se logro ver la participación tanto de jóvenes como de adultos, así mismo desde hace rato se viene tallereando a niños en su iniciación al mundo del cine dentro de la ciudad de Durango.

Llegaba el momento de clausurar la semana de cine mexicano y de nuevo se sentía la nostalgia de seguir con la fiesta cinematográfica. Nos deja estas semanas que se realizan en diversos estados de la república que se requiere tener más espacios y difusión del cine que se produce en México, a sí mismo se va contagiando ese espíritu artístico y cultural tan necesario para ser libres, para ser, para existir.

Luchadores enmascarados: una leyenda

texto ANDREI MALDONADO
fotografía ERIC EDUARTE VILLA

Como parte de las actividades de la Semana del Cine Mexicano en Tu Ciudad en Durango se presentó la exposición de carteles de cine “Luchadores Enmascarados. Una Leyenda” la cual es una colección traída por el Instituto Mexicano de Cinematografía que festeja uno de los iconos más representativos de la cultura mexicana: la lucha libre.

La fascinación por estos héroes enmascarados que en la pantalla peleaban con sus contrincantes por igual en un cuadrilátero que en la calle con monstruos, hombres lobos y mujeres vampiros llegó hasta el Palacio de los Gurza en donde se pudo apreciar a personajes como Mil Máscaras, Blue Demon, La Sombra Vengadora, Huracán Ramírez y por supuesto Santo, el enmascarado de plata.

El mal llamado por los franceses de los 80’s “surrealismo mexicano” fue más que nada la respuesta ficcional a la urgencia del público mexicano por héroes que en la pantalla grande pudieran representarlos mejor que los personajes de las historietas hollywoodenses, pues quién necesita a Batman o Superman cuando Aluche y Tinieblas pueden ir al rescate ¿o no?

Libertad Salgado: La juventud y el reto cinematográfico

texto ERIC EDUARTE VILLA
fotografía JOSHAEL ROJAS SARABIA

El cine avanza y las nuevas generaciones son las encargadas de seguir escribiendo la historia. La ciudad de Durango cuenta con un gran historial fílmico al igual de reconocidos actores y actrices, pero no se cuenta el monumental trabajo que se hace por parte de los productores y personal detrás de la cámara para que las películas sean posibles.

En la actualidad se está buscando que nuevamente a esta ciudad se le identifique como se le ha pronunciado desde tiempo atrás. Poco a poco la juventud de este estado tiene mayor interés por las artes, en mayor medida por el cine. Uno de los rostros que están dando aporte a esa realidad añorada es egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC).

Después de ayudar a producir varios cortometrajes en la Ciudad de México, Libertad Salgado volvió a su ciudad para preparar y llevar a cabo talleres de realización cinematográfica entre ellos La Red Nacional de Polos Audiovisuales que ha iniciado la Secretaría de Cultura, el IMCINE y las Instituciones Estatales de Cultura; así mismo dentro de la Semana de Cine Mexicano en tu Ciudad los talleres especializados en la apreciación de una película.

El área que más domina y donde se desenvuelve mejor es el departamento de producción, donde ha mencionado en más de una vez que "Me encargo de que las cosas sucedan". Con futuros proyectos en puerta, Libertad nos compartió un poco de su trabajo y visión dentro del cine.

¿Quién es Libertad Salgado?
¡Qué difícil pregunta! Libertad es una apasionada de la vida que trata de hacerlo siempre lo mejor posible.

¿Qué es el proyecto Voces Culturales y por qué nace?
Voces Culturales En Breve A.C. es una promotora cultural especialmente de cinematografía y periodismo que comparte conocimiento, busca, reconoce e impulsa el talento de personas creadoras. Nace por muchas razones, pero esencialmente por querer contribuir a la enseñanza de un proceso comunicativo incluyente que permita la formación integral de quienes colaboran con nosotros.

¿Qué proyectos próximos se tienen contemplados en Voces Culturales?
Se viene en octubre el arranque de las plataformas Cinema Digital México en colaboración con el Instituto de Cultura del Estado de Durango y el Instituto Mexicano de Cinematografía, este proyecto se trata de llevar cine mexicano a 10 puntos del Estado de forma permanente con un muy buen catálogo de pelis. Los puntos de acceso estarán aquí en Durango, Santiago Papasquiaro, Vicente Guerrero, Nombre de Dios, Gómez Palacio, Guadalupe Victoria, Lerdo y Peñón Blanco.

También en octubre viene un taller importante de diseño de producción. Vamos en noviembre a México a dar un taller infantil a la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil. Entregamos en diciembre los 5 cortos documentales del proyecto Red Nacional de Polos Audiovisuales y bueno para el año que entra en el área de periodismo estamos gestionando algunas becas de periodismo cultural y hay un proyecto editorial en puerta. En el área de cine a seguir buscando espacios de exhibición, creando, compartiendo conocimiento y profesionalizando la realización.

¿Cuál es el mayor reto de un productor y a qué obstáculos te has enfrentado?
El mayor reto de un productor es que nunca sabes qué es lo que vas a tener que enfrentar, conseguir o tener bajo control en el próximo proyecto. Siempre es impredecible lo que viene y nunca vas a poder repetir un método exacto de corto a corto o de película a película. En obstáculos me ha tocado de todo, desde amenazas del narco para dejar de filmar en cierto lugar, como la burocracia de la mayoría de los programas o maneras de acceder a fondos conocidos o incluso el carácter de algunos directores.

En poco tiempo han surgido dos talleres cinematográficos, Red Nacional de Polos Audiovisuales y ABC del cine dentro de la Semana de Cine Mexicano aquí en Durango ¿Qué se he logrado o cuál ha sido el avance que se puede ver a partir de ambas capacitaciones?
Son proyectos distintos, Polos Audiovisuales está enfocado a personas que quieren aprender a hacer cine y el ABC del cine fue para quienes gustan de ver cine y buscan elementos para la apreciación y la crítica. El primer avance que veo es que para el taller ABC del cine tuvimos la suerte de contar con algunos de los alumnos de Polos Audiovisuales que se han inclinado y especializado en una área en especial y pudieron exponerla y compartirla como parte de la clase, pudieron participar en el proceso formativo de los nuevos que se unieron.

Creo que la capacitación es un privilegio y una responsabilidad, pero en lo personal nada me da mayor satisfacción que seguir aprendiendo y ver cada proyecto que acompaño, ya sea de Polos Audiovisuales o cualquier otro formarse, desarrollarse, avanzar y llegar a una meta y sobre todo ver que hacer cine transforma a quienes tomamos ese camino. Veo muchas personas desde chiquititas como en los talleres infantiles hasta jóvenes y adultos usando el audiovisual como esa representación de imágenes y sonidos del mundo que nos permite la construcción de universos de sentido. Y es allí, en esos universos, donde nos tenemos los unos a los otros, donde tenemos una comunidad, una lengua, una historia qué contar.”

GIFF 2016 Ganadores 19 edición

texto NITZIA RUIZ ZAPATERO

En el marco de la Clausura de la décima novena edición del Festival Internacional de Cine Guanajuato que se realizó en el Teatro Juárez Sarah Hoch, directora ejecutiva del festival, agradeció a los invitados especiales, realizadores, actores, staff y sobre todo al publico en general por haber hecho de GIFF 2016 un gran festival lleno de cine y música.

La Selección Oficial de este año estuvo constituida por grandes películas tanto nacionales como internacionales, dando al público una gran variedad de géneros e historias. Durante la clausura se dieron a conocer la lista de los ganadores de las diferentes categorías en competencia:

Mejor Largometraje de Ficción México:
Maquinaria Panamericana ( Panamerican Machinary) – Joaquín del Paso México-Polonia

Mención por Mejor Actuación:
Jaime Garza- La Caridad
México

Mejor Largometraje de Ficción Internacional:
Happy Hour- Ryüsuke Hamaguchi
Japón

Mejor Cortometraje de Ficción Internacional:
La laine sur le dos (Law of the Lamb ) - Lotfi Achour
Túnez - Francia

Mejor Cortometraje Mexicano:
Dobro (Good) - Marta Hernaiz
México - Bonia-Herezergovina

Mejor Largometraje Documental Internacional:
Raving Iran - Susanne Regina
Suiza

Mención Especial Largometraje Documental Internacional:
Shadow World – Johan Grimonprez
Estados Unidos

Mejor Cortometraje Documental Internacional:
Dans for livet ( Dancing for you) - Erlend E. Mo
Noruega-Suecia-Dinamarca

Mejor Documental Largo Mexicano:
Plaza de la Soledad- Maya Goded
México

Mención Especial por Dirección a Documental Largo Mexicano:
José Villalobos – El Charro de Toluquilla
México

Mejor Documental Corto Mexicano:
El Buzo ( The Diver) – Esteban Arrangoiz
México

Mejor Cortometraje Experimental:
In the future they ate from the finest pocelain- Larissa Sansour y Soren Lind
Dinamarca-Qatar-Reino Unido

Mención Especial Cortometraje Experimental:
How Long,Not Long - Michelle Kranot y Uri Kranot
Dinamarca

Mejor Cortometraje de Animación:
Happy End- Jan Saska
República Checa

Mejor Corto Guanajuatense:
Domingo (Sunday)- Erika Oregel
México

Premio Mujeres en el Cine y la Televisión:
Il Silenzio ( The Silence) – Ali Asgari y Famoosh Samadi
Italia-Francia

Premio Signis México:
Semele- Myrsini Aristidou
Chipre-Grecia

Mención Especial Signis México:
Il Silenzio (The Silence) – Ali Asgari y Famoosh Samadi
Italia-Francia

Premio de la Prensa:
Sopladora de Hojas ( Leaf Blower) – Alejandro Iglesias Mendizábal
México

Premio XV Concurso de Guión Largometrajes:
El deseo de Ana- Emilio Santoyo Espino
México

Premio XV Concurso Guión Cortometraje:
La Muerte de Rafael Rivera – Martín Valverde Watson
México

GIFF 2016 Domingo, un cortometraje que une al talento Guanajuatense

texto NITZIA RUIZ ZAPATERO

Domingo recibió el premio a mejor cortometraje de Guanajuato en el marco del GIFF 2016. Esta obra, como señala su directora Erika Oregel, está inspirada en una historia verdadera, su trama radica en una mujer de la tercera edad que se encuentra al cuidado de su hija adulta, hija que padece capacidades diferentes y que al estar inmóvil de su cuerpo, depende prácticamente de su madre.

La charla de esta madre con Dios es lo que nos muestra la sensibilidad en Domingo, siendo un factor fundamental para mantener al espectador atento y receptivo con estas vidas.

Este cortometraje une al talento guanajuatense pues su editor, Andrés Lugo, fue galardonado recientemente en los premios Emmy. Andrés, un apasionado de la imagen y la edición, recibió este año dos premios Emmy respaldados por una amplia trayectoria cinematográfica en festivales, iniciando en el Guanajuato International Film Festival (GIFF) y teniendo presencia en muchos más como CORTOCINEMA, Festival Internacional de Cine de Mineral de Pozos (FICIP), Short Film Festival Corner (Cannes) y Tribeca Film Festival (TRIBECA).

Lugo se hizo acreedor de un Lone Star Emmy Award por el Programa de Televisión Close Up Deepak Chopra en la sección “Mejor programa” en el 2015 y este año con un Daytime Emmy Award en la categoría “Mejor Programa” de entretenimiento en español con el Programa Carlos Santana.

Erika Oregel y Andrés Lugo son dos promesas del cine en Guanajuato que, al coincidir en el concurso Universitario de Documental Identidad y Pertenencia del 2013 (realizado por el GIFF), regresaron después de tres años con un proyecto en colaboración y de esta forma es que con Domingo logran llevarse el premio a mejor cortometraje Guanajuato.

Una historia que, además de reunir el talento de ambos, reúne a todo un completo equipo de producción que, de la misma forma, estableció lazos y colaboraciones gracias al encuentro generado en GIFF y al Laboratorio Kino Room.

GIFF 2016 El charro de Toluquilla

texto NITZIA RUIZ ZAPATERO

Este documental, filmado en locaciones de Tlaquepaque y Guadalajara y dirigido por José Villalobos Romero, cuenta una parte de la vida de Jaime García Domínguez, un cantante de mariachi con una personalidad extrovertida y carácter fuerte que, al contagiarse del virus del VIH, tiene que tomar las riendas entre seguir con este estilo de vida o mejorar la relación con su hija.

Esta historia, fuerte y simpática, nos lleva a entender el proceso de una enfermedad tan compleja y los padecimientos que enfrenta ”el charro”. Al término de la película el director José Villalobos comentó que en un inicio él estaba buscando un charro contemporáneo, un charro que representara en su totalidad al charro mexicano y que, al encontrar a Jaime, no dudo de sus capacidades para que fuera el personaje; además explicó que la narrativa planteada juega un poco con la mente del espectador, al no ser tan explícito y dejando algunas preguntas sin responder por completo.

“El charro” aplaudió la genialidad del director para contar su historia, comentando que grabaron muchísimas horas y que al final José eligió lo que consideró importante resultando una película que ni él esperaba. Por otro lado comentó que estos dos ejes que se cuentan, el de su enfermedad y la relación con su hija, constituyen lo esencial en su vida, pues si no hay salud no se puede nada y si no está con su hija no hay amor y tampoco se puede nada. Un momento crucial en la película es cuando la mamá de Analía, la hija del charro, prohíbe que vea a su papá y es ahí cuando el charro comienza a reflexionar sobre su vida.

El público que vio el documental en el Teatro Principal se mostró contento y sorprendido con la presencia del Charro, quien estuvo muy entusiasta de contestar las preguntas y de presentar la película en el marco del Festival Internacional de Cine de Guanajuato. Sin lugar a dudas una gran historia y una realización estupenda, vale la pena ver El charro de Toluquilla.

Dedican altar a figuras del cine western

con información del IMAC

La tradición mexicana revivió a los difuntos con el Festival de Día de Muertos “Muikité”, organizado por el Instituto Municipal de Arte y Cultura (IMAC), el cual magnificó las dimensiones del recuerdo a los muertos con el Altar Monumental.

La estructura se encuentra ubicada en el Paseo Corredor Constitución, a un costado de la Plaza de Armas y fue inaugurado este domingo por Claudio Herrera Noriega director del IMAC y el secretario de Turismo del estado de Durango, Víctor Hugo Castañeda.

El altar fue dedicado a los personajes de las películas wenster tales como Mario Almada, Audrey Hepburn, John Weyn, Rock Hudson, Richard Harris y Burt Lancaster. En su interior se denotan las figuras de calaveras que adornan el altar, así como el tradicional papel picado, comida y los niveles del altar.

Antes de la inauguración, participantes del concurso de disfraces abordaron la Plaza de Armas, después de un recorrido por el corredor Constitución, para concluir en el escenario donde jueces los evaluaron y escogieron los ganadores. De los 52 participantes, se premiaron a los tres primeros lugares de 10 finalistas.

Impulsaremos producciones mexicanas en Durango: Christian Sida-Valenzuela

texto ANDREI MALDONADO
fotografía ERIC EDUARTE VILLA

Durante su nombramiento como nuevo director de Cinematografía del Estado, Christian Sida-Valenzuela aseguró que aunque no se dejarán de lado las producciones internacionales fomentar que películas nacionales se filmen en Durango será una prioridad en el área a su cargo.

En rueda de prensa en la que se dieron cita varios funcionarios de la Secretaría de Turismo entre ellos el titular de la misma Víctor Hugo Castañeda, el entrevistado ahondó en que se encuentra gustoso de encabezar un proyecto a favor del cine en Durango, más allá de que actualmente no existen muchos recursos en las arcas del Estado y que posiblemente haya recortes para 2017.

Pese a ello Christian se dijo confiado en que se podrá hablar de producciones a filmarse en Durango en el corto plazo, sobre todo producciones nacionales, aprovechando que en los últimos años el número de películas mexicanas realizadas se ha incrementado a cifras que igualan a la época de oro del cine del país, por lo que se procurará tener más relación con productores de México.

Reconoció que es innegable la tradición que existe en el estado del cine que produce Hollywood, misma que quedó reflejado con la grabación de Texas Rising, sin embargo cuidar el cine nacional es un aliciente también para incentivar a los proveedores de servicios cinematográficos locales y también brindar un foro de aprendizaje para los jóvenes duranguenses interesados en el tema.

En ese sentido Sida Valenzuela expresó que se habrá de fomentar la creación de un fideicomiso como lo tienen los estados de Jalisco y Nuevo León para la producción de cine hecho por duranguenses, así como la impartición de talleres de formación y capacitación cinematográfica en coordinación con el ICED y las escuelas de cine más prestigiosas del país, el CCC y el CUEC.

Agregó que es imprescindible que el área de Cinematografía y la Secretaría de Turismo se involucren más en foros como lo es el Festival de Cine Mexicano, el cual se ha ido transformando en un espacio para que los jóvenes tengan un acercamiento más certero al mundo del cine, por lo que garantizó la continuidad de este certamen de cara al proyecto de la escuela de cine en Durango.

En ese sentido el actual director del Festival de Cine Latinoamericano de Vancouver aceptó que crear una escuela de cine no es tarea sencilla, sin embargo resaltó la voluntad del gobernador José Rosas Aispuro de sacar adelante este proyecto que ha sido inquietud de los duranguenses durante años, además de que la escuela sería una pionera en educación cinematográfica en el norte del país.

GIFF 2016 8vo Rally Universitario

texto NITZIA RUIZ ZAPATERO
fotografía ESTEFANY SÁNCHEZ

Elegidos entre 186 guiones recibidos de 23 estados de la República la convocatoria del Rally Universitario del GIFF proporciona a los seis equipos finalistas la aventura de realizar un cortometraje en un lapso de 48 horas.

El viernes 29 de Julio en la Alhóndiga de Granaditas los equipos presentaron el resultado final de este proceso de producción el cual, tras 22 talleres de especialización por profesionales de la industria, finalizó con la proyección de los proyectos frente a cientos de personas.
Así el resultado, un cortometraje de seis minutos de duración, tuvo como requisito contar como locación a la hermosa ciudad de Guanajuato, así como el hecho de dirigir a actores profesionales.

Los estados y equipos que participaron en este 8° Rally Universitario fueron:
SEIS
Director: Roberto de Valle
Universidad: Universidad Autónoma de Coahuila
Ciudad: Torreón, Coahuila

LO QUE SE VIENE A LA MENTE
Director: Roberto Telles
Universidad: Centro Universitario de Estudios Cinematográficos – UNAM
Ciudad: Ciudad de México

FAMILIA TERRIER
Director: Alejandro Íñiguez
Universidad: Liceo de Estudios Superiores
Ciudad: Querétaro, Querétaro

DE A 20
Director: Adrián Saldívar
Universidad: UEA Centro Universitario
Ciudad: Guadalajara, Jalisco

BIENVENIDO HERMANO

Director: Juan Carlos Rivera
Universidad: Universidad de Guanajuato
Ciudad: Salamanca, Guanajuato

¿CÓMO FUE TU DÍA HOY?
Director: Alejandro Mayorquín
Universidad: Universidad Autónoma de Nayarit
Ciudad: Tepic, Nayarit

Siendo estos últimos, de la Universidad Autónoma de Nayarit, los ganadores de la competencia. El director Alejandro Mayorquín dijo estar agradecido con la oportunidad que el GIFF otorga a los universitarios, así como con la ciudad de Guanajuato por la hospitalidad.

La experiencia del Rally es sin duda un espacio de formación que, a la par de los estudios universitarios, da herramientas específicas para la creación cinematográfica, además establece dentro de los equipos una comunidad con la misma finalidad: contar sus historias de la mejor manera.

Música + Cine, documental y concierto en GIFF

texto NITZIA RUIZ ZAPATERO
fotografía CORTESÍA GIFF

Este año para celebrar al país invitado el GIFF echó la casa por la ventana y realizó por primera vez Música + Cine, un proyecto que busca reunir las bandas más importantes de la escena con proyecciones de cine.

En esta implementación el GIFF realizó un magno concierto con una de las personalidades más importantes del rock japonés: Yoshiki Toshi. Y a pesar de la lluvia que se vivió el escenario ya estaba listo, el público aún más, y la estrella de la noche había arribado a la capital de Guanajuato.

Con un lleno total, primero se proyectó en la Alhóndiga de Granaditas el documental “We are X” de Stephen Kijak, que narra la historia de la banda “X Japan”, siendo ésta una de las primeras proyecciones del film a manera oficial e internacional. Por tal razón en el evento se prohibió el uso de cámaras, aunque eso no importó en la emotividad de los fanáticos, quienes viajaron de diversas partes del país para ver a su ídolo.

El documental narra la historia de la banda, sus inicios y sus momentos más exitosos. También hace un recorrido por la vida de Yoshiki y su relación con los integrantes de la banda, por otra parte nos cuenta los momentos de inspiración de Yoshiki en la creación de las letras y las adversidades que vivieron como agrupación.

En dicho evento reinaba la actitud rockera de los espectadores quienes llevaban consigo peluches o juguetes de la banda. En el lugar había un porcentaje alto de japoneses, quienes como comentaron, nunca imaginaron verían a uno de sus ídolos estando en México.

Los asistentes cantaban las letras tanto en inglés y en japonés mientras se proyectaba la película pero finalmente, al término de esta, llego el momento cumbre cuando la presencia de Yoshiki, vocalista de la banda “X Japan” salió al escenario, el público ovacionó al cantante, hubo lágrimas, gritos y aplausos, todos ellos llenos de felicidad y entonando la frase emblemática: ¡We are X!

Yoshiki en una etapa más tranquila de su carrera, interpretó algunas melodías en su piano para posteriormente agradecer con una inmensa sonrisa e intentando pronunciar algunas palabras en español como “Te amo México”.

Los que por primera vez conocíamos a esta leyenda japonesa del rock esperábamos verlo en su faceta de rockero, pero el hecho de presenciar un momento histórico con su visita y con lo narrado en el documental nos dio un panorama de la importancia del ídolo. El reconocimiento a su música ha sido trascendental por parte de diversas generaciones y su éxito ha sido aplaudido por grandes estrellas como el guitarrista de Kiss Gene Simons, quien también aparece en el documental.

Sin lugar a dudas la celebración a Japón tuvo un momento cumbre en este concierto, un concierto que seguramente será recordado por muchas personas y por muchos años, un evento que logró unir en el mismo escenario dos grandes artes: la trayectoria de Yoshiki, su vida en el documental, así como su música y su voz en el escenario.

GIFF 2016 Japón país invitado de Honor

texto NITZIA RUIZ ZAPATERO

El Festival Internacional de Cine Guanajuato en su edición XIX dio la bienvenida a Japón como su País Invitado de Honor. Y es que durante las últimas décadas Japón ha visto emerger con gran éxito a varias generaciones de cineastas, captando la atención internacional y acumulando premios en festivales de primer nivel tales como Cannes, Berlín, Venecia, Rotterdam y Toronto, por nombrar algunos.

Reconocidos autores como Naomi Kawase, Kiyoshi Kurosawa y Hirokazu Koreeda quienes han cosechado premios y elogios de la crítica cinematográfica, asistieron a la gran fiesta del cine del GIFF.

De igual forma, considerando la filmografía de Shin’ya Tsukamoto, Sion Sono y Takashi Miike, el GIFF congregó lo mejor de Japón, teniendo una respuesta favorable con estos filmes de culto y con el público seguidor de festivales amantes de la cultura japonesa.

Los homenajeados de Japón que fueron reconocidos este año fueron:

El director Masato Harada quien se mostró contento y emocionado de recibir dicho homenaje en un país tan querido como México. El público ovacionó al director a quien le fue entregada la Cruz de Plata, finalmente como parte del homenaje se proyectó su largometraje The Emperor in August.

La directora Naomi Kawase, por una trayectoria constante y comprometida por el medio. Para su homenaje se proyectó un segmento de su documental autobiográfico, donde comenta el gusto por el cine y por el retrato de la realidad. De igual forma en el Teatro Principal se proyectó como película homenaje: Still the water.

Homenaje a la actriz Kaori Momoi en San Miguel de Allende, evento lleno de color y música, donde se reconoció el trabajo de la primera actriz y homenaje a Yoshiki, figura emblemática del rock japonés en la Alhóndiga de Granaditas.

Además de estos reconocimientos, algunos de los eventos realizados como parte del recibimiento a Japón fueron las presentaciones en el Panteón Municipal de Cine entre muertos Japón: Kuime, Hausu, Tetsuo y Ringu.
Como parte del programa de cortometraje se presentó Japan Media Arts proyectando diversidad de temas y técnicas y en programa dos, Japón Hachimiri Madness.

Diary of a Shinjuku Thief, A road, Inori, Cold Bloom, Chasuke’s Journey, Early summer y Branded to Kill fueron algunas de las películas que conformaron la muestra Japón.

Por otro lado, con el reciente incremento de escuelas de cine en Japón las jóvenes generaciones continúan con la tradición del cine de calidad en una amplia gama de géneros y formatos, que se abren nuevos caminos con sus historias y estilos personales.