Grecia Monroc: De letras, escenarios y personajes

texto ERIC EDUARTE VILLA
fotografía ANTONIO RUIZ VIVEROS

Recientemente la actriz y escritora Grecia Monroc estuvo nuevamente de visita en su tierra natal, Durango, para presentar la obra literaria “El buen arte de decir adiós” de su amiga también duranguense Laura Alemán, y no hace mucho estuvo también de visita presentando su propia novela ‘La Casa Amarilla’. Desde el teatro, pasando por la televisión y el cine Grecia compartió con Cinéfagos un pedazo de vida artística que la ha ido forjando como persona y como profesional dentro de las artes audiovisuales.

¿Cómo ha sido tu andar en Televisión, cine y teatro?
Mira, televisión hace un tiempo que no hago, hice un capítulo para una serie de Netflix en el 2015 que aún no se ha estrenado, es un capítulo que se hizo en Sayulita y en Guadalajara, está muy padre y si no se ha estrenado es porque tiene mucho contenido sexual y habido un problema con la censura, y de películas hay varias en la que he participado y que ahorita se encuentran en los festivales.

Todavía se sigue promocionando la Pinches actores que fue la primera que hice, estamos también a la espera de su estreno en México, es muy complicado porque aquí la distribución es muy difícil, las salas de cine tienen un porcentaje muy bajo de películas mexicanas en cartelera y por eso ha sido complicado lograr que la película llegue, pero sigo haciendo cine independiente que anda en festivales.

Y con el teatro tengo menos problema porque muchos saben que soy dramaturga y constantemente estoy presentando obras que escribí y es más sencillo en ese sentido. Y reciente terminamos una temporada de una obra mía de terror y suspenso ‘¿Hay alguien ahí que quiera jugar?’ en un foro que se llama ‘La Bé’ que está en la Colonia Nápoles en la Ciudad de México y antes de esa estábamos presentando ‘Nebraska’ en Art House que es otro foro de la ciudad, y ahora vamos a seguir presentando ‘Diagnóstico Bigamia’ y estoy escribiendo otra obra que habla sobre los temblores y entonces es como lo más inmediato que viene para el 2018.

(foto:Mario Molina)

Cuéntanos un poco de tu experiencia en la película Pinches actores
Me fue muy bien, para mí fue algo muy fuerte y a pesar de que yo había estudiado la carrera de actuación y ya había estado actuando en teatro y en algunos comerciales más que nada para sobrevivir porque son los que pagan muy bien, el cine fue muy diferente, es un lenguaje distinto, se graba muy diferente y te tienes que acostumbrar a otro ritmo como actor. Para mí fue la primera experiencia y fue como algo difícil, te puedo decir que he crecido mucho después de eso y tienes que aceptar todo lo que hiciste desde lo más feo hasta lo más bonito. Fue muy agradable porque estuvimos filmando en San Luis Potosí, en la Ciudad de México y una parte en Francia.

Actuando, presentando obras, libros ¿Cómo se siente Grecia Monroc representar a Durango en otras ciudades del país y en el extranjero?
No es que lo quiera decir que lo represento como algo egocéntrico, lo represento porque es parte de mí, de lo que soy, no puedo escribir algo que no tenga que ver con Durango de una u otra forma que sea indirecta, no puedo actuar si no es influenciada por mis raíces, entonces está padre porque yo quiero mucho a Durango y yo espero que Durango de alguna manera subjetiva pueda sentirse orgullosa de lo que hago.

A poco más de un año de que publicaste tu libro ‘La Casa Amarilla’ ¿Cómo le ha ido?
A ‘La Casa Amarilla’ le ha ido muy bien, la verdad. Tiene un público muy sólido que siempre lo está buscando a pesar que el libro lo puede leer como cualquier tipo de persona, la verdad que los adolescentes son los que lo han llevado a cierto nivel de ventas que le ha permitido mantenerse y por lo mismo estamos pensando en hacer la segunda edición.

¿Qué les puedes decir a los jóvenes que están empezando alguna disciplina artística o que pretenden hacerla?
Que lo hagan que no estén esperando como un estímulo, como un premio o que alguien te lo reconozca, ahora con las redes sociales tenemos un foro infinito para hacerlo y si realmente es lo que les gusta no hay que estarse esperando o reteniendo, que sólo lo hagan y ya, luego va a llegar la forma de difundirlo.

La Ley: trascendencia para la eternidad

por ANDREI MALDONADO

Hace 30 años un joven músico chileno llamado Andrés Bobe daba comienzo con un sueño que, al paso de los años, se convertiría en leyenda. Junto a Rodrigo “Coty” Aboitiz fundaría La Ley, banda que terminaría siendo el máximo representante del rock chileno en el mundo.

Para convertir en realidad el anhelo de tener una banda que resaltara en la escena musical de Chile Andrés y Rodrigo sumarían a sus filas a la española Lucía “Shia” Arbulú, la cual se encontraba en el país junto a sus hermanos, con quienes había fundado Nadie, grupo neo pop que dominaba los escenarios. Con ella grabarían un LP que prometía, sin embargo la abrupta partida de los hermanos Arbulú de vuelta a la península ibérica obligó a los dos jóvenes a repensar el proyecto.

Fue así que añadirían a la alineación a Luciano Rojas,y a Mauricio Clavería. Ambos se encargarían del bajo y la batería, respectivamente, siendo Bobe el guitarrista y Coty el tecladista. Faltaba algo elemental, la voz, y para ello llegó el saxofonista de Pequeño Vicio Iván Delgado. Sin embargo no se quedaría en la banda y la búsqueda de un cantante llevaría a los músicos al encuentro con el que sería uno de los frontman más reconocidos del rock latino: Beto Cuevas.

Luis Alberto Cuevas Olmedo, un joven chileno que había estado avecindado en Canadá durante la dictadura de Pinochet, ganaba presencia en los bares con su guitarra acústica. Aprobando el examen que era la interpretación del primer single “Desiertos” Beto pasó a formar parte de la banda y con él se regrabaron los temas escritos por Delgado. La fama los alcanzó pronto pese al obstáculo que representó un litigio por los derechos del primer casete y el nombre de la banda.

Ya para el año 1991 habían alcanzado los reflectores en gran medida por el cover de The Rolling Stones Angie, interpretado en un programa de televisión. Tras un proyecto frustrado de un disco formado por temas originales en inglés lanzaron al mercado Doble Opuesto, su primera placa oficial. Con sencillos como “Doble opuesto” y “Prisioneros de la piel” La Ley llegaría, a través del programa Latinoamérica Va de Verónica Castro, hasta las radios mexicanas.

En 1992 se convirtieron en la primera agrupación chilena en filmar un videoclip en los Estados Unidos para el tema “Auto-ruta” del disco La Ley. Posteriormente el video de “Tejedores de ilusión”, el cual recibió el reconocimiento de las cadenas de televisión, catapultó al grupo a hacer gira por toda América. Posteriormente vería la luz Cara de Dios, material de corta duración que significaría el paso inminente para dejar Chile y asaltar completamente hacia México.

La repentina muerte de su líder Andrés Bobe puso en duda la continuidad del grupo justo cuando había dejado Polygram para firmar con la trasnacional Warner, sin embargo la convicción de los miembros en ese entonces hicieron que el grupo volviera con todo y de la mano de Pedro Frugone en guitarra lanzaron Invisible, disco con el cual alcanzarían la fama con hits como “Día Cero” y “El Duelo”. Aboitiz dejó al grupo no sin antes colaborar para que Vértigo saliera en 1997.

En pleno boom por las vanguardias electrónicas el grupo cambió de ritmos, lo que ocasionó que no todos su fans respondieran positivamente durante el tour de promoción del disco. Para repuntar la situación, a unas horas de salir al escenario en el primer Vive Latino, Luciano Rojas abandonaría al grupo por diferencias con Cuevas. La amenaza nuevamente de disolución de la banda se vio negada cuando en el año 2000 anunciaron su regreso a los ritmos del rock con Uno.

Canciones como “Aquí”, “Fuera de Mí” y “Eternidad” ocasionaron que el grupo fuera invitado al prestigioso ciclo MTV Unplugged, donde su sencillo “El duelo” (a dueto con Ely Guerra) y la inédita “Mentira” permitieron a la banda ganar el Grammy Latino como mejor banda de rock. En 2002 publicarían Libertad, con “Ámate y sálvate” como mayor éxito. En 2005 aparecería Historias e Histeria, recopilatorio con tres canciones nuevas y un DVD con videografía completa.

Para el Festival Viña del Mar de ese año La Ley volvió a ser quinteto, al menos por una noche, en donde Luciano y Coty tocaron junto a Pedro, Mauricio y Beto la canción “Desiertos”. Luego de eso el grupo anunció una pausa indefinida con la opción de volver, promesa que alimentó los sueños de los fans hasta que en 2014 las súplicas se volvieron realidad. Frugone, Clavería y Cuevas anunciaron su regreso con dos singles. La gira decantó en un nuevo disco, Adaptación.

Pese al buen ánimo que los tres parecían mostrar, de manera repentina Cuevas anunció en redes sociales el fin definitivo de La Ley, posición que tanto Pedro como Mauricio consideraron unilateral de parte del vocalista, y por la cual fundarían Día Cero, grupo en el cual volverían a estar juntos con Luciano y Coty, con Ignacio Redard en la voz, tocando éxitos de La Ley y temas nuevos. Beto, por su parte, se unió al 90’s Pop Tour con el cual revivió sus éxitos leyeros.

Más allá de los adioses y los regresos incumplidos la trascendencia de La Ley en la música es innegable. Prueba de ello está en cómo durante su visita a Chile en enero de este año el Papa Francisco incluyó en su discurso a la juventud un fragmento de un tema del disco Uno: “El ruido ambiente y soledad de la ciudad nos aíslan de todos. El mundo que gira al revés pretende sumergirme en él ahogando mis ideas”. Si su Santidad es leyera ¿quién no va a serlo?

Estrellas del cine, “secuestradas” por artesanos del corredor Constitución

texto y fotografía ANDREI MALDONADO

Pese a que tienen cuando menos tres meses sin permiso los artesanos que se ubican en el Corredor Constitución se mantienen obstruyendo la visibilidad de los atractivos turísticos del Centro Histórico, principalmente las esculturas de las estrellas del cine que han venido a filmar en Durango.

De acuerdo a lo que reporta Fernando Rocha Amaro, presidente de la Comisión de las Actividades Económicas del Ayuntamiento los locatarios establecidos en el paseo Constitución, entre las Alamedas y la calle Pino Suárez, tienen cuando menos los últimos tres meses con el permiso vencido y no se han acercado a la autoridad municipal para renovarlo.

El regidor reconoció que al inicio de la administración estos artesanos resultaron un problema grave ya que no contaban con permiso alguno para instalarse en este corredor, en el cual desde hace cinco años se colocaron estrellas en la acera con los nombres de directores y actores del cine nacional y hollywoodense que han venido a filmar al estado.

Durante meses los artesanos se mantuvieron sin pagar hasta que finalmente se pusieron en regla y evitaron el retiro forzado, sin embargo nuevamente se quedaron sin la venia del Ayuntamiento precisamente en diciembre del año pasado, pero hasta la fecha ni la comisión ni la coordinación de Inspectores Municipales ha tomado cartas en el asunto.

A decir del regidor capitalino la mesa de diálogo está abierta a los ciudadanos en cada sesión, sin embargo estos artesanos no se han acercado para tratar el tema de su permiso; “llevan todo lo que va del año sin un acercamiento. Estaremos tratando de dialogar nuevamente con ellos para llegar a acuerdos como se ha hecho con otros artesanos”, afirmó.

Sin embargo aceptó que hay muy pocos espacios dónde reubicar a los interesados en realizar comercio ya que todos piden ubicarse en las plazas públicas del primer cuadro de la ciudad a fin de tener las mejores ventas; “nadie quiere salirse del centro. Nos llegan muchas solicitudes a Plaza de Armas y Fundadores y tratamos de reorientarlas”, puntualizó.

Es así que pasa el tiempo y tanto Dolores del Río como John Wayne siguen ocultados entre toldos y lonas, y las estrellas de Jack Nicholson y Audrey Hepburn continúan sin ser visibles. El paseo incluso reporta daño en su estructura y algunas piezas de bronce han sido víctimas del hurto y el vandalismo sin que se haga algo por parte de la autoridad local.

Post Tenebras Lux: La oscuridad de una pesadilla

por JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

De la película que quiero escribirles esta ocasión es una de esas que llega la interpretación real tiempo después de que la vez, cuando recreas y piensas muchas veces lo que viste, o cuando la vez tres o cuatro veces, puedes medio interpretarla porque al fin de cuentas: ¿Quién puede interpretar los sueños? Esos sueños que mientras los sueñas parecen tan lúcidos y normales y posibles, pero que al despertar te das cuenta de lo disparatados que eran, como creer que soñabas jirafas cuando soñabas caballos y vacas.

No haré muchos spoilers de esta, porque al fin y al cabo, no creo que se puedan hacer. La película del año 2012 dirigida por el galardonado director mexicano Carlos Reygadas carece de una línea argumentativa, lo cual no está mal, pero muchos dirán que no está bien, muchas dirán por este simple hecho de que esto es más un ensayo o un experimento cinematográfico que una película para todo el público, en pocas palabras, que la película es para cierta elite que disfruta de los festivales de cine y yo no estoy tan de acuerdo en ese asunto.

Que si no es para todo público, probablemente no, pero no creo que sea solo una película de festival. La película tiene muchas cosas notables y destacables que cualquier persona que guste del cine podría disfrutar. Quizá al terminar de verla pensaría "pero que chingados acabo de ver" pero no sentiría que su tiempo ha sido robado o que lo han engañado.

La primera razón por la que me gustó es porque el director siempre nos pone en diferentes perspectivas, nos pone en la de la persona que está soñando, dentro del sueño, nos pone en perspectiva de la persona que está en escena, incluso nos pone en perspectiva desde los animales, en ratos somos perros, somos caballos, somos algún insecto que vemos desde alguna roca a una mujer con sus dos hijos.

Otra sin lugar a dudas es los silencios, o más que los silencios, el sonido ambiente, la falta de diálogos en el momento preciso, y esto conectado evidentemente a la maravillosa fotografía que tiene la película. Reygadas, uno de los mejores directores que tenemos hoy día en nuestro país como lo es Amat Escalante (o al menos uno de mis favoritos junto a Claudia Sainte-Luce) le da una importancia a los paisajes y los explota al máximo para el bien de la trama de sus películas, como quizá muy pocos directores mexicanos como Juan Antonio de la Riva.

Podría seguir y seguir escribiendo sobre ella pero acá le paro, creo que los he dejado en perspectiva, la trama de la película es difícil darla, probablemente una decente seria (e interpretada por mí porque no había querido leer nada de la película salvo su nombre en una lista de las diez películas mexicanas contemporáneas que tienes que ver) la vida de una pareja en diferentes situaciones de su vida. Es una película que no es lineal y ese es otro detalle que me encanta, como esa frase de Godard, que no les menciono porque la he escrito y repetido tantas veces que no creo que sea necesario repetirla una vez más.

Les comento que lo que más me gusta de la película es que Reygadas no es nada pretencioso con ella, no nos intenta vender humo, no nos quiere moralizar, no nos quiere dar un mensaje a fuerzas, en estos días tan oscuros donde todos los directores quieren ser filosóficos arrojándonos montones de referencias que cineastas ya nos habían planteado anteriormente. Es tan necesario ver películas de realizadores como Reygadas, Escalante, Jarmusch, directores que exponen sus ideas sólo por el placer de hacerlo, de contar curiosidades incluso propias de ellos, que nos vengan con películas contemplativas, pero que respeten el cine.

Hay una película que yo detesto por su pretenciosidad como lo es El Árbol de la Vida de Terrence Malick (que por cierto, a raíz de que vi la película me puse a ver fragmentos de entrevistas y una parte de una clase que dio Reygadas y descubrí que él también la odia) precisamente por lo pretenciosa que es, esta película no nos da nada, nosotros lo descubrimos. (Y creo que por eso fue acreedor al premio de Mejor Director en Cannes en aquel año).

Ya para terminar quizá yo, contrario a Reygadas, y pecando de pretencioso, les podría comentar que entendí e interpreté a la perfección lo que esta película es, y lo entendí en las primeras y últimas escenas: La película es una compilación de sueños y pasajes en la vida de la familia de un niño (quizá de una real, como puede ser la de Reygadas, o una ficticia creada por él) y como este chico cuando era niño soñó con el demonio que en su vida adulta lo iba a matar. Sin duda alguna me quedo aun con Luz Silenciosa como mi película favorita dentro de su filmografía y esperando el estreno de Donde Nace la Vida (el cual se tenía programado para este año pero en el cine mexicano de autor nunca se sabe). Post Tenebras Lux es una película que bien vale la pena ver.

Dan claquetazo de la cinta “Colozio”

con información de SECTUR

El Secretario de Turismo y Cinematografía del Gobierno del Estado de Durango, Víctor Hugo Castañeda Soto y el Director de Cinematografía Christian Sida Valenzuela, fueron los encargados de dar el claquetazo de la cinta “COLOZIO” del Director Artemio Narro.

De la casa productora Lumpen Films “COLOZIO” es una producción que se encuentra rodando en Durango desde el pasado mes de febrero y que se prevé concluya el 15 de marzo, en locaciones como Nombre de Dios, Durango, Canatlán y Pueblo Nuevo, bajo la producción de Carlos Narro, Ixel Rion así como Mariel Baqueiro, directora de fotografía de la producción.

Dentro del reparto se encuentran actores como Diego Calva, Orlando Moguel, Manolo Caso, Ariane Pellicer, Janet Ruiz, Tina French, cabe mencionar que Diego Calva, es conocido por su participación en la cinta “Te Prometo Anarquía” quien ganó el premio al mejor actor en el Festival de Cine de la Habana 2015. Ha participado en distintas series y en la cinta “Ayúdame a Pasar la Noche”.

También participa Ariane Pellicer, actriz, guionista y productora mexicana, conocida por su personaje de Nina la Heavy en ¡Cachún cachún ra ra!. Es hija de la primera actriz Pilar Pellicer. Recientemente ha actuado en Perseguidos, El hotel de los secretos, La vecina y Miss XV.

Castañeda Soto, mencionó que este tipo de producciones necesitan apoyo para su realización, es por eso que la Secretaría de Turismo apoya con alimentación, hospedaje, pasajes aéreos y terrestres, logrando una mezcla de recursos con la producción, reiterando así las facilidades y el apoyo como lo ha instruido el Gobernador del Estado, José Rosas Aispuro Torres.

El Secretario de Turismo indicó que existe un catálogo actualizado de talento local, en formato tradicional y digital, “además, por instrucciones del Gobernador Aispuro Torres, tenemos un catálogo de artistas que trabaja en la ciudad de México personas duranguenses que están muy interesadas por mover la actividad fílmica en Durango”.

Por su parte el Director de Cinematografía, Christian Sida Valenzuela, señaló que la derrama aproximada de la producción será de 2 millones de pesos, ya que es una película de talento limitado, pero sobre todo es una producción de mucha industria. El lanzamiento será a finales del 2018 en festivales de cine, para posteriormente tener una salida en cines comerciales y, terminar en plataformas digitales.

Sinopsis: COLOZIO (segundo largometraje de Artemio Narro) narra la historia de Diego y Gael, dos jóvenes quienes se enteran que el candidato del PRI, Luis Donaldo Colosio, será asesinado, y emprenden un viaje para detener el magnicidio.

Duranguenses no tienen garantías de remuneración en las películas

texto ANDREI MALDONADO
fotografía HEBER CASSIO

Los duranguenses que sean solicitados para participar en las producciones que actualmente se encuentran en rodaje en la ciudad no cuentan con ninguna garantía de parte del gobierno de que recibirán remuneración económica, pues eso compete únicamente a las productoras según declaró Christian Sida Valenzuela, director de Cinematografía del Estado.

El funcionario aseveró desconocer cuántos duranguenses se encuentran trabajando actualmente en el rodaje de “Colozio”, cinta dirigida por Artemio Narro el cual ganó en 2015 el premio a Mejor Largometraje en el Festival de Cine Mexicano de Durango por el cual recibió un estímulo económico de 50 mil pesos y que en esta producción contará con un recurso propio de 2 millones de pesos.

Lo que sí reconoció el encargado del área de Cinematografía de la Secretaría de Turismo es que varios de los jóvenes que asisten a la producción lo hacen en calidad de becarios ante su falta de experiencia y únicamente se está contemplando el pago en cuanto a personal técnico y de servicios; “la mayoría de la producción la encabeza gente de la Ciudad de México”, confirmó.

En el tema de la falta de experiencia de la juventud duranguense Sida Valenzuela compartió que el Centro de Cinematografía y Actuación será una buena oportunidad para que los interesados en dedicarse al cine se capaciten, aunque el que encuentren o no dónde trabajar dependerá directamente de las producciones que lleguen al estado, las cuales actualmente son pocas.

“Falta capacitación, quizá por eso son escasas las producciones. Este año los diputados locales aprobaron un recurso de 7 millones de pesos para Turismo que irá directamente destinado al equipamiento de la escuela de cine durante su primer año, esto independientemente del recurso que ponga el Instituto de Cultura para la conclusión del Centro Estatal de las Artes”, expresó.

Cuestionado acerca de la posibilidad de proponer la creación de un fideicomiso para que los jóvenes no solo sean empleados de las producciones foráneas, sino que también generen sus propios productos, el entrevistado no respondió argumentando que tenía que atender el evento protocolario del claquetazo de esta película, aunque esta ya comenzó a rodarse desde hace una semana.

El Nuevo Cine Castellano: Un movimiento llamado a regenerar el cine independiente

con información del NUEVO CINE CASTELLANO

Con el tráiler del primer largometraje adherido a unos postulados de clara regeneración cinematográfica, se presenta en sociedad el movimiento del Nuevo Cine Castellano, que nace con la pretensión de dar vida a una nueva cultura audiovisual castellana, rescatando las esencias más profundas y olvidadas de esta región, para volverlas a poner en el único lugar donde tienen verdadero sentido: Ante sus propias gentes.

Para esta obra iniciática, titulada Los Mil (2018), y rodada con un teléfono móvil en el transcurso de cinco días en la ciudad de Ávila, el encargado de la dirección ha sido el escritor abulense A.M.Presmanes, en base a una pieza dramática del mismo, recayendo las principales labores interpretativas sobre los debutantes Sofía Martín y Alfonso Caño, los cuales sin embargo acumulan más de una década de experiencia sobre las tablas teatrales.

Durante una hora y cuarto acompañaremos a una chica de provincias que deberá decidir si convertirse en la reencarnación de un Hércules moderno, uniéndose a una misteriosa orden llamada Los Mil, y abanderando la resistencia del Bien contra el Mal, mientras comprende que si se quiere luchar por defender alguna de estas palabras, primero ha de ser conocido su significado.

Puede considerarse sin lugar a dudas un film humilde, de sangre joven y carente de presupuesto, pero decididamente honesto, pues contiene todos los elementos que este nuevo cine se propone constituir y reivindicar, tales como cuestiones centradas en Castilla o sus gentes, ya sean de época contemporánea o histórica; de claros planteamientos filosóficos o espirituales, yendo más allá del vacuo ejercicio de generar preguntas, si no tratando de hallar respuestas; y evitando en todo momento el morbo y la violencia innecesaria, que parecen ser el único motor que mueve la producción audiovisual en la actualidad.

La película se presentará en la primavera de 2018 en tierras castellanas, y aspira a ser la primera de muchas que vayan uniéndose a esta iniciativa regeneradora, aglutinando todo tipo de creadores, artistas y ciudadanos, en pos del alumbramiento de una identidad propia que, aun llena de valores y virtudes, parece encontrarse hoy sepultada bajo el polvo del olvido y la resignación.

A continuación adjuntamos el manifiesto que no es sino un llamamiento a todos los que quieran participar de este empeño cultural de un pasado y un futuro compartidos:

“Nuevo Cine Castellano es un movimiento de creación audiovisual independiente, que nace con el firme objeto de reflejar y mostrar al mundo, no sólo el pasado, si no el futuro de Castilla a través de su esencia, dando vida a obras de ficción espiritual y mágica, huyendo del ya caduco realismo o el mero empeño documentalista, y defendiendo la importancia del contenido sobre la forma, para lograr transportarnos desde el oscurantismo castellano a la luz de verdades inconscientes, en un ejercicio que sepa unir la fantasía lisérgica con el misticismo y la sobriedad de estas tierras. Todos somos bienvenidos en este empeño, pues todos somos actores dando vida a Castilla.”

Post Tenebras Lux: la luz que nunca llega

por ANDREI MALDONADO

Comúnmente no suelo escribir de las películas que no he disfrutado, no soy crítico de cine para hacer eso. Sin embargo cuando he leído la reseña que para esta edición nos compartió nuestro compañero Juan José Antuna Ortiz (a quien agradezco este y todos los aportes que hace a Cinéfagos) no pude dejar de pensar que a veces una “no-película” merece también su “no-reseña”.

Más allá de la animadversión natural que me causa el cine de Reygadas y de varios directores alrededor del mundo que como él han optado por hacer películas “contemplativas” o más bien “soporíferas”, Post Tenebras Lux significa para mí una de las más grandes decepciones cinematográficas, de las pocas películas que casi me han hecho salir de la sala.

La carencia de línea argumentativa o el empleo de no actores que no actúan (pues hay no actores que lucen muy profesionales, no así los de Reygadas) son solo una parte de lo mucho que hace que esta película para mí sea realmente vomitiva. No se nos puede vender esta como la obra de arte que el cine autoral estaba esperando, pues que el discurso no sea lineal, como sostenía Godard, no da derecho a que cualquier cosa pase por “arte” (ojo, Godard será difícil de entender, pero nunca ha sido incoherente).

Todo se puede filmar, pero no todo lo que se filma es cine, y definitivamente Post Tenebras Lux es la antítesis del cine, es la negación completa de una obra evolutiva de más de 120 años de historia. Reygadas se ha convertido en un director muy perezoso, el cual ha abrazado el lugar común que ofrecen “sus historias” y, arropado por los fondos del Imcine y premios en Cannes bajo el brazo, al parecer no quiere salir de ahí.

Pero, pensándolo bien, no debería inquietarnos demasiado, pues, a fin de cuentas, hacer películas sin respeto al cine es más común de lo que creemos y no, no hablo de las comedias románticas. Sobran ejemplos desde el mal llamado “cine de autor” como el que pretende hacer Michel Franco, el cual muy cínicamente acepta contar malas historias porque no sabe cómo hacer cine. En fin, el gusto se rompe en géneros, y en este mundo hay malos gustos en todos los géneros cinematográficos.

¿Por qué nos fascina el cine?

por ANDREI MALDONADO

Han pasado más de 120 años desde que los hermanos Lumiere lanzaron al mundo su cinematógrafo. Desde entonces diversos aportes al cine como espectáculo de masas y como medio para la expresión del arte se han llevado a cabo por genios como Georges Meliés, Sergei Eisenstein, Charles Chaplin, Walt Disney, Steven Spielberg, entre otros, que han maravillado con sus historias o han cimentado las bases del cine como lo conocemos hasta ahora.

Hollywood es el principal artífice del cine como industria cultural, estableciendo los blockbusters con toda la parafernalia de impacto en medios (más ahora con tantas vías por medio del internet y las redes sociales), pero el máximo aporte que ha hecho la “meca del cine” han sido los géneros cinematográficos y las estructuras narrativas que los componen para hacer de las películas las historias como las conocemos ahora, el cine como una concepción universal.

Es por eso que en películas de acción al héroe nunca se le acaban las balas, las del enemigo no lo tocan, es un experto en cualquier arte marcial (no importa su edad) y puede hacer acrobacias imposibles, siempre con una buena “frase matona”; en la comedia romántica el anti-héroe reconoce su error y alcanza a su amada antes de que aborde un avión; en el terror la gente siempre hace lo que no debe hacer: dormir en casas embrujadas, jugar a la guija, etc.

Pero no seamos tan duros con Hollywood, pues el llamado “cine de arte” y el “cine de autor” también se han llenado de tantos clichés como cualquier producción norteamericana. Diálogos confusos, poca acción, cámara en mano o cámara fija, planos secuencias, no actores. En conclusión: el cine en sí mismo es un cliché, entonces ¿por qué seguimos viéndolo? Quizá porque el séptimo arte es una ventana a otro mundo, permite que el espectador se fugue.

¿Qué hay del documental? Ese género difícil de encuadrar y que tanto espanta al público comienza a ganar terreno en un mundo donde la ficción continúa regalándonos obras de arte, pero tristemente son las menos. La mayoría de las películas rayan en lo repetitivo y predecible, pero son un lugar seguro, la gente sabe qué va a ver y lo ve. Películas para llenar salas y vender palomitas. Y lo hace Hollywood y lo hace México y casi todos los países del mundo.

En Cinéfagos hacemos una apuesta por un cine diferente, lo más libre posible. Deriva será la primera producción audiovisual en la que trabajemos. Porque después de casi cinco años debemos vincular lo que vemos y de lo que hablamos con lo que podemos hacer. Ya tendrán noticias de nosotros y nosotros tendremos noticias de ustedes, esperemos. Nos vemos en la próxima pantalla.

Editorial: 2017 fue bueno ¡2018 no nos falles!

por ANDREI MALDONADO

Pocos años como el que recién terminó me he sentido tan agradecido con el cine comercial. Me gustan los recuentos, aunque pocas veces lo he hecho con las películas, pues como muchas las veo en DVD o en la Cineteca y no son precisamente estrenos no logro diferenciar cuales eran cintas de ese año y cuáles no. La mayoría de las que llegan a salas comerciales no llaman mi atención o bien no me dejan nada como para hablar de ellas.

Sin embargo el año pasado fue uno en el cual me sentí particularmente consentido por el cine, abrazado por historias desgarradoras, bellas, estremecedoras y divertidas. Estrenos que llevaba mucho tiempo deseando ver y otras que desconocía y sin embargo me dejaron un grato sabor de boca. Es por ello que a pesar de mi resistencia a los lugares comunes caeré en uno: hacer un recuento de los mejor del 2017 en las salas comerciales.

Comenzaré con Ghost in the Shell, película tan castigada por los puristas del anime pero que para mí, que solo conocía la historia por referencias, pude disfrutar completamente; ya que estamos en el tema de la ciencia ficción una de mis consentidas fue Blade Runner 2049, la cual me pareció un homenaje serio a su antecesora y no un mero capricho como me pareció fue Trainspotting 2, la cual si bien sí disfruté creo que no fue lo que esperábamos.

Sorprendentes también fueron Fragmentado y ¡Huye!, dos relatos que rozan de cerca con el terror pero que más bien son historias de suspenso al más estilo Hitchcockiano; incluso este año me sorprendieron dos películas animadas a las que no me resistí a ir pese a que en la casa no hay niños a los cuales llevar como pretexto: Coco (de la cual escribo en esta edición) y Condorito, cuyo estreno estaba esperando desde que fue anunciada en 2016.

Del cine nacional me quedo con Camino a Marte, una propuesta inteligente, honesta y profunda que pocas veces vemos abordar en nuestra cinematografía; del mundo latino tuve el placer de ver Una mujer fantástica en salas de Santiago de Chile y del cine de Europa me maravilló Una familia peculiar, traída por el Tour de Cine Francés; incluso este año pude apreciar el innovador cine japonés con Soy Héroe en el Matsuri de Cine Japonés.

Como se darán cuenta esto no es un decálogo como en la mayoría de las veces y me faltaría agregar películas que aún no tienen estreno comercial y pude descubrir en festivales de cine, cineclubes y salas alternativas como Poesía sin fin, Tres Mujeres o La región salvaje, que igualmente entrarían en mi lista de favoritas del 2017. Pero mi favorita sin duda alguna fue Alien Covenant por razones hartamente conocidas que plasmé en la edición 27 de Cinéfagos.

La Forma del agua: La forma del amor

texto ANDREI MALDONADO

“Incapaz de percibir tu forma, te encuentro siempre a mi alrededor. Tu presencia llena mis ojos con tu amor, hace más humilde mi corazón. Estás en todas partes”.

¿Qué pasaría si en vez de ver cómo lucimos externamente viéramos cómo luce nuestro interior, si suprimiéramos el lenguaje y empezáramos a guiarnos sólo por los sonidos de la naturaleza? El amor toma muchas formas, incluso la del agua. La “monstruología” de Guillermo del Toro nos trae The Shape of Water, un discurso sobre el amor y la aceptación.

Eliza es muda, le arrancaron las cuerdas bucales cuando fue abandonada de bebé. Huérfana, vive en su propio mundo de rutina donde sus únicos amigos son su compañera de trabajo Zelda, una mujer afroamericana que no para de hablar y Giles, un viejo artista gay sin empleo. Pese a trabajar en la Agencia de Investigación Aeroespacial con toda clase de experimentos extravagantes, su vida transcurre sin sobresaltos, hasta un día.

Provenientes del Amazonas vienen dos monstruos. Uno, un humanoide anfibio que era venerado como un Dios. El otro es Strickland, el hombre que lo capturó. Sin proponérselo Eliza conectará con el monstruo a partir de lo más básico, la comida. Pero poco a poco descubrirá que este ser no solo es capaz de entender el lenguaje de señas o la música, sino que es capaz de amarla, de verla como es, quizá como ninguna persona la ha visto.

El discurso de la película deja ser solo una historia imposible de amor y toca el contexto social en el que se desarrolla la trama, pues en plena conquista del espacio, en plena Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética, entre Laika, Yuri Gagarin y espías rusos el hombre se había olvidado de ver a sus hermanos. El negro, el gay, el viejo, la mujer, los discapacitados, los pobres, ninguno era parte de “su” sociedad.

¿Quién es el monstruo, el que no luce como humano o el que, siéndolo, no se comporta como uno? La forma del agua habla también del respeto a la naturaleza, a lo que no conocemos y no debemos trivializar, a las culturas primitivas. Expone el frágil equilibrio que sostiene a una sociedad cuyas bases están sentadas en la explotación de los recursos, el menosprecio a la vida y los abusos que se hacen en nombre de la ciencia y el progreso.

Del Toro exhibe de paso al típico modelo americano de los 50’s y 60’s. Un Cadillac en la cochera, un césped bien cuidado por una hacendosa ama de casa vestida al estilo Pin-up. Niños con cabello rubio que quieren ser como papá, que irán a la guerra para que rusos, cubanos, latinos y negros no conquisten el mundo. Donde Washington es la capital del mundo y la vida en los suburbios es transitoria, apenas una ilusión para la clase media.

Un discurso muy sobrio fortalecido por una música excepcional, con un trabajo de arte impecable y una fantástica fotografía. Con homenajes al cine como la bella escena donde el monstruo se queda admirando la pantalla del cinema. Actuaciones brillantes redondeadas por un gran vestuario y el siempre fenomenal trabajo de maquillaje que caracteriza a Guillermo y que tantas historias y buenos personajes nos ha brindado durante años.

Del Toro presenta dos premisas. Lo arbitrario e innecesario que es el lenguaje cuando la realidad que se nos presenta es protagonizada por dos seres sin habla, y que no se necesita tratar de romper la narrativa ni realizar complejas historias contemplativas para maravillar al mundo. Utilizando los elementos clásicos del drama (una princesa, un príncipe, un villano, una cuestión por resolver, inicio, clímax y desenlace) Guillermo gusta y encanta.

Apenas comienza el 2018 y el cine ya nos regaló su primera joya. Más allá de los alcances que The Shape of Water pueda tener durante la temporada de premios se trata de una película que ya se nos metió, a más de uno, en lo profundo del corazón, y seguramente nos acompañará toda la vida. Porque las formas importan, pero sólo si es la forma del amor.

Coco: Al amor ni la muerte le gana

por ANDREI MALDONADO

Existen muchas singularidades que hacen de México un pueblo excepcional. Su música, su gastronomía, sus paisajes, sus personajes, lo vuelve un país multicultural. Pero sin duda alguna un rasgo que nos hace únicos ante el resto del mundo es la celebración de los muertos, a tal grado que artistas de la talla del cineasta Sergei Eisenstein no pudieron dejar de hablar de ello en sus obras.

El Día de Muertos ya había quedado reflejado en otras cintas extranjeras como 007 Spectre o El libro de la vida, película de animación producida por Guillermo del Toro; y en cintas mexicanas como la también animada Día de Muertos, cuyo estreno está todavía pendiente. Sin embargo el gran mérito de Coco, entre muchos otros, es que a través del monstruo distribuidor que es Disney esta tradición tan mexicana está llegando a todos los confines del planeta.

La cinta, la cual es la primera de Disney que se estrena primero en México que en Estados Unidos, es un homenaje no solo a la festividad de los muertos, sino a la mexicanidad en sí, pues más allá del gran equipo de animadores con los que cuenta Pixar (hablar de ello como una cualidad de la película parece redundante) el saber retratar detalles como la arquitectura colonial, los techos de lámina o hasta los panes que compramos en las tiendas (en una escena se aprecia un ‘cortadillo’ y una conchita) hacen de Coco un relato afable y cercano.

Hablamos de un trabajo argumental y narrativo muy maduro para una película animada que pareciera más destinada para disfrute de los padres que para los niños, pues está presente la nostalgia por las personas que se nos han adelantado en el camino, una nostalgia de la cual sólo se es consciente en la madurez; la figura de Mamá Coco es elemental, pues es la abuela que toda familia mexicana tiene y que se vuelve básica en la película que incluso ésta lleva su nombre.

Además de las referencias directas a personajes emblemáticos de nuestra sociedad (Frida Kahlo, Pedro Infante, Jorge Negrete) está la referencia al “charro cantor” tan del Cine de Oro con el personaje de Ernesto de la Cruz, los alebrijes, los animales sagrados para las culturas primigenias como el jaguar y los xoloitzcuintles, el papel picado, la sacralidad del cempasúchil, “La llorona” y sobre todo la unidad familiar, esa que ni la muerte vence, pues cada 2 de noviembre vivos y muertos conviven como unos solos.

Gran acierto ha sido también el tema del doblaje. Que además de expertos en esta rama como Víctor Trujillo, Andrés Bustamante, Angélica Vale y Angélica María hayan participado actores de renombre como Cecilia Suárez, Gael García Bernal, Ana de la Reguera y Héctor Bonilla hace que el público se sienta cercano en el lenguaje y en la forma de utilizarlo.

Qué decir de la integración al elenco de voces de personajes de la literatura, la música y el dibujo como Marco Antonio Solís, Elena Poniatowska, Xabier López “Chabelo”, Alex Lora, Juan Villoro, Cecilia Toussaint, Trino, entre otros, y sobre todo la fresca, joven y natural voz del protagonista, brindada por el niño Luis Ángel Gómez. Si a eso sumamos la bella canción “Recuérdame” tenemos como resultado una película redonda, bella y total.

Cada elemento tanto visual como de la psicología de los personajes convierten a Coco en un verdadero homenaje a lo que es México, a su cultura, y se aleja al cliché al que siempre se nos somete como mexicanos desde la visión extranjera, sobre todo desde la visión de Hollywood. Que haya sido realizada por el estudio norteamericano más poderoso justo en tiempos de los muros y los discursos de odio es bastante loable y la convierten en una película extraordinaria.