Recomendaciones de Cinéfagos en MUBI

texto ANDREI MALDONADO

MUBI es una de las plataformas virtuales para ver cine con el contenido de mayor calidad en el mundo. En esta ocasión queremos hacer unas cuantas recomendaciones para que las puedan disfrutar en cualquier momento.

REALITY+ (Coralie Fargeat, 2014)

Para mí esta historia valía más la pena extenderla y explorar sus posibilidades como largometraje que La sustancia. Una prueba de que a veces menos es más y son mejor 20 minutos de una buena historia que 2 horas de un guion incongruente.

LA SUSTANCIA (Coralie Fargeat, 2024)

La sustancia es una extraña mezcla entre The Fly, Alien Romulus, el cine de David Cronenberg y El profesor chiflado. Por momentos abandona la ciencia ficción y simplemente cae en el absurdo, perdiendo la oportunidad de llevar de mejor manera el tema de la apariencia, las exigencias sobre edad y belleza para las mujeres y el machismo en el gremio artístico.

LA PRÁCTICA (Martín Rejtman, 2024)

Algunas ausencias son necesarias, pues su retorno nos trae nuevos bríos. El silencio de Rejtman nos trae una versión mejorada de su ya característico estilo de hacer cine, con situaciones, más que surrealistas, inconcebibles, en un mundo poco cotidiano y, sin embargo, nada sale de esa cotidianidad tan propia de cada uno de los personajes. La verdad son historias para disfrutarlas solo por sí mismas, porque son capaces de fluir solas con el tiempo.

MOOR MOTHER: JAZZ CODES (Cyrus Moussavi, 2022)

Todo un viaje que nos permite ver las infinitas posibilidades del jazz cuando hace fusión con otros géneros. Por momento encontré conexión con grupos como Ergo sum, Nine Rain, Electrodomésticos y otros tantos que han fusionado el trip hop con el blues, el poder del saxo y hasta la rima.

ALL FOR A ROSE (Marco Bellocchio, 2017)

De tramas sencillas pero atrapantes. Estos cortometrajes de Bellocchio lo dejan a uno deseando un poco más, que la historia se desarrolle dejando la simple anécdota. El aire de la historia por momento recuerda a Woody Allen.

CLOWNS (Marco Bellocchio, 2016)

Me recordó a "El temperamento melancólico" de Jorge Volpi. El arte superando a la vida misma, en esta ocasión la ópera absorbiéndolo todo. El drama familiar (aquí representado por la figura materna) arrastra a los personajes a actuar conforme a sus instintos más bajos.

JESÚS LÓPEZ (Maximiliano Schonfeld, 2021)

Una excelente visión del duelo mal trabajado, de la resistencia a dejar partir (quizá también a dejarse ir). Toca fibras sensibles sobre los lazos que nos unen a las personas mediante una maravillosa banda sonora y una impecable fotografía.

LA ANTENA (Esteban Sapir, 2007)

Además de remitirnos a los orígenes del cine mismo y su clara influencia del cine impresionista, La antena es una demostración de lo que antes se hacía porque era el único recurso hoy se hace por elección. Personajes que nos remiten a Metrópolis, con decorados al estilo Gondry, en una historia completamente Borgiana.

ESTOCOLMO (Rodrigo Sorogoyen, 2013)

Estocolmo, película española dirigida por Rodrigo Sorogoyen, es muestra de cómo se pretende sofisticar la figura del Don Juan, hoy entendida más como la de un fuckboy (el hombre que usa todas sus artimañas para llevarte a la cama), y se transforma en un softboy, aquel conquistador que finge real interés.

LOVE (Gaspar Noé, 2015)

Cannes fue nuevamente el escenario con el que Gaspar tensaría a la crítica especializada, al presentar Love, película en la cual la veneración y culto al sexo y a los órganos reproductores se exaltaría de forma nunca antes vista, pues la experiencia esta vez era en tercera dimensión. Definitivamente una polémica declaración de “amor”, envuelta en un Ménage a trois que pone sobre la mesa temas tan actuales como el llamado poliamor.

TRAVELING ON ONE LEG (Alexandru Petro, 2015)

Más allá de la vanguardia, existen cineastas que han abrazado el cine contemplativo, casi etéreo, por medio del cual la trama es casi un pretexto y la inmovilidad de la cámara solo se compara con la pasividad de los personajes, la parsimonia de las acciones y la casi ausencia de diálogos.

NO AMARÁS Y NO MATARÁS (Krzysztof Kieslowski, 1988)

Derivado de El Decálogo aparecen No matarás y No amarás, las versiones ampliadas de los capítulos IV y V. En la primera, Jacek cae víctima de su psicosis que lo lleva a matar a un taxista, recibiendo la pena de muerte. En este filme destaca, como en otros de su filmografía, el trabajo de Krzysztof para relacionar a sus personajes entre sí, coincidiendo en diferentes momentos de la vida.

Mientras que en No amarás (una cruel versión del mandamiento “no cometerás actos impuros”) Tomek, un adolescente que vive en un complejo de departamentos (fijación arquitectónica del cineasta) se ve envuelto en una obsesión voyerista por su vecina Magda, que dejará a más de uno con el corazón roto. Dato: el cantante chileno Pedro Frugone utilizó este filme para su videoclip “Desvanecer”.

LA DOBLE VIDA DE VERÓNICA (Krzysztof Kieslowski, 1991)

La doble vida de Verónica, en donde se observa la teoría de los doppelgänger, los dobles exactos, que derivan en una “presencia improbable” (como comentó alguna vez nuestro compañero Juan José Antuna en torno a Alejandra, todavía Alejandra, de su servidor) en donde uno no puede vivir si se encuentra con el otro.

SIN FIN (Krzysztof Kieslowski, 1985) 

Sin fin, una cinta que, sin ser estandarte político, cuestiona el peso de defender las ideologías políticas aun a costa de la vida, así como el duelo.

TRES COLORES (Krzysztof Kieslowski, 1994)

La última gran obra del polaco: la trilogía Tres colores, basado en los colores de la bandera francesa y los ideales que cada uno representa (desde la interpretación del propio director). Azul, Blanco y Rojo se convirtieron en el epitafio perfecto de una carrera impecable, en donde una vez más Krzysztof retrata sus inquietudes.

En Azul, y ayudándose de una majestuosa Juliette Binoche, se aborda el duelo después de la muerte como en Sin fin, aunque con un final más liberador; en Blanco, el cineasta se da vuelo con el humor negro, algo no muy visto en su filmografía; y en Rojo, con Irene Jacob como estelar, el amor imposible se entrelaza con el destino, en un final donde los protagonistas de los tres colores confluyen.

CUENTOS MORALES (ERIC ROHMER)

En los llamados “Cuentos morales”, el cineasta francés deja relucir su vena de escritor y lleva a la pantalla una serie de historias pensadas para la literatura. En ellas trata temas relacionados con la moralidad, muy enfocados en el concepto del amor y las relaciones de parejas, todos narrados en primera persona y desde la perspectiva masculina, la cual se debate entre las viejas estructuras morales de la sociedad francesa y la revolución ideológica de la que formó parte en los años sesenta.

MILAGROS COTIDIANOS (ERIC ROHMER)

La panadera de Monceau y La carrera de Suzanne, dos cortometrajes que parecen pequeñas anécdotas, comparten semejanzas con sus “Milagros cotidianos”, primeros trabajos de Rohmer, varios de ellos adaptaciones de obras cumbres de la literatura como Berenice, que estructurarían lo que sería más adelante su filmografía mayor; le siguen La Coleccionista, La rodilla de Claire y El amor en la tarde, historias que, más allá de ser narradas por personajes masculinos, tienen a las mujeres con el rol protagónico.