Tango VIP: entre lo clásico y lo moderno

por ANDREI MALDONADO
fotografía CORTESÍA

El tango, referente mundial de la cultura argentina, no solo es un baile ícono de la pasión y el romance, también es un canto que remite a la nostalgia, al dolor y al recuerdo, una vía por la cual nos trasladamos hasta paisajes de calles y bares de Buenos Aires que nunca hemos visitado.
El dueto conformado por Javier Ortega, vocalista del grupo Elefante, y Ricky Requejo, productor musical, experimenta al reversionar y dar su propia aportación a una de las expresiones más emblemáticas de la cultura universal, fusionándola con elementos propios de la música electrónica.

Bajo el concepto de Tango VIP, Javi y Ricky buscan rescatar un elemento que proviene de sus más profundas raíces, de su patria, dotando de un toque contemporáneo a un canto que, a su consideración, las nuevas generaciones no escuchan ni siquiera en Argentina, por asociarlo con personas adultas.
“Nosotros no nos identificamos con el tango de la vieja escuela, el que escuchaban nuestros padres y abuelos, por ello decidimos quitarle ese aire dramático o aburrido al tango y dotarlo de los elementos nuevos. Si Gardel o Piazzolla vivieran hoy, teniendo todas estas herramientas, seguro harían el tango como nosotros”, afirma Javi.

Por otro lado Ricky resalta la pasión como uno de los elementos básicos que se conservan de los tangos originales dentro del trabajo de Tango VIP; “nosotros lo que hacemos es la integración de elementos del siglo XXI en temas de los grandes del género, respetando la esencia pasional de los temas originales, así como su armonía”.

Javi reconoce que pese a que otros proyectos como Bajofondo o Gotan Project han experimentado con el electro tango, lo que sobresale de su labor con Ricky es que más que electrónica con toques de tango, el suyo es un tango con toques eléctricos, al cual han llamado tango moderno; “buscamos que sea el tango original el que se enriquezca del género electrónico y no al revés, además de que le damos mucha importancia a la voz”.

Actualmente cuentan con dos discos maquilados, uno titulado “Grandes Varones del Tango”, el cual incluye nueve temas clásicos y uno totalmente inédito, por el cual fueron nominados al Grammy Latino, y “Efecto Tango”, que incluye ocho nuevos clásicos y tres tangos de autoría propia.

Tanto Javi como Ricky reconocieron que la aceptación de su propuesta ha sido igual de buena por personas jóvenes como por aquellas que crecieron escuchando las versiones originales, algo que los alienta a continuar; “empezaremos a armar la agenda de conciertos, en donde integramos elementos visuales y baile. Incluso hay interés de parte de directores de cine para sincronizar nuestra música con proyectos muy importantes”, finaliza Javi.

Pablo Larraín: entre lo histórico y la tragedia

por ANDREI MALDONADO

Existe un “boom” de cineastas latinos audaces con propuestas nuevas que convergen para dar a Latinoamérica un nuevo y amplio acervo fílmico, con historias que rondan entre las protestas sociales, los hechos históricos y el drama.

Si hay alguien que conjunta dichos elementos de manera magistral es el chileno Pablo Larraín, quien en poco tiempo ha conseguido ir forjando una filmografía madura, propia y certera.

FUGA (2006)

La ópera prima de Larraín es un ejemplo de que debemos deshacernos de los eufemismos, ya que en vez de encasillarla en el género del drama Fuga merece ser considerada una película de tragedia.

En ella se narra la vida de Eliseo Montalbán, un músico atormentado por la muerte de su hermana, que al mismo tiempo va acompañada por la ejecución de una fuga, un tono musical que va a generar la “Rapsodia Macabra”, tema que acompaña cada desgracia del concertista.

Subvalorada incluso entre los propios chilenos, Fuga es una invitación a la reflexión acerca del destino, y es aquí cuando reiteramos que el cine de Larraín es el de la tragedia, pues el destino de Montalbán es finalmente el mismo aquel que predijeran los oráculos para Edipo y del que no pudo escapar.

TONY MANERO (2008)

La línea entre la cordura y la locura es tan delgada, tanto que a veces se rompe al ritmo de “Fiebre de sábado por la noche”. Alfredo Castro interpreta en Tony Manero a Raúl Peralta, un hombre obsesionado por llevar más lejos su actuación como doble del famoso personaje de John Travolta en Saturday Night Fever.

En esta trama Larraín nos muestra un nuevo y oscuro sitio de la psique humana, con un hombre capaz de sacrificar todo lo que tiene e incluso a otros por un insignificante premio en un programa de televisión, o bien, obstinarse en ver en la pantalla a su personaje favorito, aunque encima de él esté el ejército de Pinochet.

PÓST MORTEM (2010)

Seducido por el relato histórico pero también por la ficción, Pablo realizó en 2010 Post Mortem, película que una vez más es protagonizada por Alfredo Castro en el papel de Mario Cornejo, un auxiliar forense que en medio del golpe de estado en Chile sufre un tórrido romance con Nancy, una bailarina de un club nocturno.

Al igual que en Tony Manero, el cineasta chileno brinda un ambiente lúgubre cargado de pesadumbre entre la violencia infligida por los militares y la propia crudeza del ser humano, que lo mismo puede besar la mano de quien ama para después arrancarla.

NO (2012)

Si algo necesitaba Pablo Larraín para consagrase como grande es que una de sus películas se convirtiera en la primera candidata chilena al Oscar en la categoría de mejor película extranjera. Lo había intentado con Tony Manero y Post Mortem, sin embargo fue hasta que llegó No que lo consiguió.

Esta cinta, estelarizada por Gael García Bernal, viene a ser el fin de una trilogía acerca de la dictadura de Augusto Pinochet. Si en las dos anteriores retrató el golpe de estado y el auge del régimen, en No Larraín documenta y “ficciona” el fin del mismo mediante el plebiscito de 1988, por el cual el dictador era rechazado por el voto del pueblo.

Este hecho histórico –extrañamente tan poco retratado por los propios chilenos- no podía dejar de ser aprovechado por el cineasta, quien introdujo videos, programas, comerciales y entrevistas de aquél entonces con la colaboración de las personas que participaron en dichos materiales, aderezando el hecho de que se filmó con cámaras originales de los 80’s.

La Vida de los Peces: el universo es una pecera

por ANDREI MALDONADO

Cuando hacemos un movimiento al aire, quizá una caricia a un rostro imaginario, ¿qué nos dice que aquella persona a la que le dedicamos ese gesto no ha sentido, en ese mismo instante, el roce de nuestra piel? Esa es la inmensidad de la pecera, una pecera que llamamos vida, porque irremediablemente creamos círculos cuando creemos rasgar el universo, porque quizá nunca salimos de la misma habitación.

Matías Bize consigue en La Vida de los Peces (2010) un discurso sencillo pero elocuente sobre el amor y la pérdida. La aparente superficialidad que implicarían 90 minutos de un encuentro entre dos viejos amores durante una fiesta se rompe y se convierte en una agridulce historia de dos que nunca lograrán estar lo suficientemente lejos para olvidarse ni tan cerca para consumarse.

Andrés (Santiago Cabrera) y Beatriz (Blanca Lewin) se separaron 10 años atrás y en ese tiempo él se ha dedicado a viajar por el mundo como fotógrafo y ella encontró una pareja con la cual tiene un par de gemelas. A pesar de lo dispar de las situaciones ni él ni ella han encontrado hogar, viviendo cada uno con el recuerdo del otro y todos esos “hubiera” que se dibujan tras el adiós.

Lo que maravilla es la capacidad de Bize de conjuntar un maravilloso guión original con un gran trabajo actoral y un tratamiento prácticamente en tiempo real, ambientado el relato de la ausencia en las habitaciones de la casa –la pecera- donde siendo jóvenes Andrés y Beatriz compartieron sus dichas, pero también sus desencuentros.

Adicional a ello resalta el armonioso soundtrack post rock elaborado por Diego Fontecilla (donde cada tema se titula de acuerdo al momento del film) y la banda Inverness, que dan como resultado no solo uno de los mejores largometrajes de la historia fílmica chilena, sino también del cine latino y, por qué no decirlo, de la cinematografía universal.

La Vida de los Peces es grande porque todos nos hemos enamorado, todos hemos dejado ir al amor de nuestras vidas, todos nos hemos imaginado “el universo que no fue”. Todos somos peces habitando la misma pecera.

Robin Williams: legado de vida y cine

por ERIC EDUARTE VILLA

Un ángel con nariz roja, un viajero enfrentándose a creaturas salvajes, un ser extraordinario del país de nunca más, un héroe con espinacas, un científico, el disc-Jockey en Vietnam, el genio de la lámpara, la querida Mrs. Doubtfire, el profesor rebelde, el poeta muerto, el hombre bicentenario, el hombre del año dirigiéndose más allá de los sueños. El actor, el ser que vamos a extrañar…

¿Quién no creció con sus películas, con sus personajes? Siempre ir al cine a ver alguna película de él, y más donde fue el protagonista, no sólo nos garantizaba una muy buena historia que nos hiciera reflexionar, sino también un personaje que nos enseñaría creer más en la humanidad. La mayoría de sus películas dejan un mensaje esperanzador, quizá se debía por su carisma, comicidad y un excelente sentido del humor que no sólo aparentaba en pantalla, sino que lo era en persona.

De joven dejó sus estudios de una carrera política para probar suerte en la actuación. Se inició en teatro, tras varias obras de comedia dio el buen vito para saltar a la pantalla chica en una serie de televisión en el que interpretaba a un extraterrestre, de inmediato se catapultó al éxito, pero su fuerte se encontraba en la comedia. Poco después haría su debut en la pantalla grande con el personaje de “Popeye” en la cinta de homónimo nombre, el éxito de la cinta no fue el esperado pero fue la que le trazó el gran camino que recorrería hasta sus 63 años de vida.

En su vasta filmografía se encuentran cintas como Good Morning Vietnam, Dead Poets Society, Hook, Toys, Mrs. Doubtfire, Jumanji, Good Will Hunting, Flubber, Bicentennial Man, Seize the day, entre otras. Pero donde más nos ha dejado una enseñanza de la vida fue en su sublime interpretación del Dr. Patch Adams. Aquella escena entrando al hospital, a la habitación de un enfermo, disfrazado de ángel a muchos se nos quedará en la mente quizá por siempre. Pero son demasiadas escenas icónicas que nos ha dejado como legado en su extensa lista de películas que nunca nos cansaremos de reproducir.

En su estrella quedan los extensos galardones y reconocimientos, destacándose su premio de la academia a mejor actor de reparto por la película El indomable Will Hunting; Los globos de oro por La señora Doubtfire, The Fisher King, Buenos días Vietman y Mork & Mindy.

No está demás observar que toda su vida no fue la que nos enamoró en la pantalla, su destino final nos dejó a la luz el lado oscuro de su vida, llevándolo a una decisión que es difícil entender cuando una persona decide por cuenta propia traspasar a otra dimensión de la cual no hay retorno. Pero su herencia, su maestría actoral, es más grande que cualquier asunto adictivo ajeno a su amor a la actuación, es más grande incluso que su propia muerte

Interestelar: el viaje soñado

por ERIC EDUARTE VILLA

Nostalgia por las estrellas no exploradas, un viaje de millones de años luz sin retorno, un amor por lo desconocido. ¿Por qué esta fascinación por el espacio infinito? Una respuesta que quizá nunca llegue, o más bien que tarde en llegar cuando descubramos el enigma de nuestra existencia. Un viaje Interestelar no para encontrar esa respuesta, sino más bien conocer aquello que se encuentra más allá incluso de nuestras creencias.

La nueva cinta del Christopher Nolan nos traslada a temas espaciales, adentrándonos en un tema que poco a poco comienza a ser usado; ver lo maravilloso y misterioso que es el universo, viéndolo desde una parte nostálgica, como si fuera el paraíso al que quisiéramos ir y no regresar.
Pero lo que realmente sobresale en esta producción cinematográfica es el exquisito guión, su historia y como está manejado este asunto espacial. Con giros dramáticos sorprendentes, donde sus personajes se envuelven en situaciones perturbadoras para la supervivencia de ellos mismos; conectando al espectador y manteniéndolo encajado al asiento. El trabajo técnico es destacable, con una fotografía y efectos especiales que ensamblan junto a la historia de uno de los mayores logros de Nolan.

La sonorización y la música le dan aún más fuerza al film. Sus silencios en el mismo espacio le dan mucha credibilidad al tema de la película, y esa credibilidad también se muestra en como aborda las cuestiones físicas y teóricas sobre la relatividad de tiempo y la misma física cuántica, que hace que esta película sea más que sólo un atractivo visual y artístico, sino que es sinónimo de estudio para la ciencia, pero que también puede generar un debate entre las creencias religiosas y principios divinos sobre la creación del universo.

Será un atrevimiento mencionar que esta película se encuentra a la altura de la obra cinematográfica de Stanley Kubrick; 2001: odisea al espacio, que si bien este trabajo de Christopher hace un homenaje a la misma cinta de Kubrick, con esta travesía del agujero de gusano que lleva a otras galaxias o hacia otras dimensiones, también dentro del homenaje está la incursión de una computadora inteligente como lo hizo Kubrick en Odisea del espacio con el robot artificial ‘HAL 9000’. Pero no es el único homenaje en la película de Nolan, su banda sonora compuesta por el músico Hans Zimmer nos evoca a los sonidos y música de la película Contact protagonizada por Jodie Foster y dirigida por Robert Zemeckis, misma película que también hace debate sobre la ciencia y la religión.

La cuestión actoral complementa esta obra de Nolan con un Matthew McConaughey y una Anne Hathaway quienes por estas interpretaciones no se dudaría que tendrían una nominación a los premios de la Academia el próximo mes de febrero, Al igual es destacable la participación de Matt Damon tomando en esta ocasión el papel de antagonista, quién podría competir dentro de la terna a mejor actor de reparto. No sonará descabellado que esta cinta se catapultara como una de la más importantes sobre el tema del espacio y de la ciencia ficción en la historia de la cinematografía.

Birdman: héroe con contrato vencido

por ANDREI MALDONADO

La fama tiene un precio, siempre lo ha tenido. Y no, no solo son las apuestas, el alcohol o las drogas. No es solo los sacrificios personales o emocionales. El mayor precio que se tiene que pagar por la fama es que esta es efímera, conlleva al olvido y, para el imaginario colectivo, nada o poco tiene que ver con el arte.

Este divorcio –entre lo artístico y lo mediático- solamente podía ser entendido por alguien como Alejandro González Iñárritu, quien lo retrató de manera sublime en Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia), cinta que sin temor a equivocarnos será catalogada como la mejor del 2014.
Riggan Thomson (Mikel Keaton) es un viejo actor que vive atormentado por el pasado de su único papel memorable: Birdman, un súper héroe de franquicia que se ha convertido en algo más que su alter ego, ahora es la voz de su conciencia o, mejor dicho, de su intranquilidad, pues constantemente le echa en cara su nuevo propósito: abrirse paso como actor y director en Brodway.

Es en ese punto cuando comienza el verdadero conflicto: ¿qué es el arte y quién tiene derecho a realizarlo? Riggan pronto deberá hacerle frente al peor de los villanos, más poderoso que cualquiera de los cómics: el orgullo actoral de Mike Shaner (Edward Norton), quién no soporta la idea de que un “movie star” pretenda actuar en un escenario reservado para los “verdaderos” actores.

Sin duda González Iñárritu trasgrede con esta cinta ya que no solo cuestiona la labor mercantil de la industria fílmica de Hollywood –muchas veces saturada de contenido vacío- además se da tiempo de poner contra las cuerdas también a los puristas del arte que, exigiendo que lo comercial no segregue a lo artístico, segregan a su vez a quienes despectivamente llaman “celebridades”.

Todo exquisitamente decorado entre marquesinas, proscenios y escenarios teatrales de la gran manzana y filmado con una técnica impecable de parte de Emmanuel Lubezki, en una delicada consecución de tomas tan bien ensambladas que parecen un solo plano secuencia. Además la música de jazz que pareciera, al igual que los momentos y diálogos, total y absolutamente improvisada.

Estamos ante un nuevo clásico, un nuevo favorito del séptimo arte, que nos da tiempo de reflexionar: “¿queremos arte o queremos fama?” y “¿qué estamos dispuestos a perder por cada una de ellas?”,

Eugenia Montalván en tres actos

ACTO I: EUGENIA Y LA DIVERSIDAD
por ANDREI MALDONADO
fotografía ERIC EDUARTE VILLA

Duranguense de nacimiento pero radicada por muchos años en Mérida, Eugenia Montalván Colón conoció a Gonzalo España España, activista por los derechos de la comunidad gay de la capital yucateca, pero también conoció a Don Mammie Blue, el travestí que noche tras noche hacía lo que le gustaba: ser un personaje más de una ciudad que, como cualquier otra en nuestro país, se debate actualmente entre la aceptación y el tabú.

¿CÓMO HA RECIBIDO LA AUDIENCIA EL DOCUMENTAL?
Uno de los sitios donde más se ha exhibido es el Museo del Chopo, ahí estuvo por dos meses dentro de una exposición y la respuesta fue muy positiva. Creo que hay un interés muy fuerte por todo lo que significa la lucha de la comunidad gay. Sin embargo en Yucatán el documental resultó intrascendente, porque a final de cuentas a la sociedad no le gusta ver esos temas, no le gusta reconocer que hay una gran cantidad de personas con una tendencia homosexual.

¿CUÁL ERA EL OBJETIVO PRINCIPAL DEL DOCUMENTAL?
Como antropóloga y periodista me interesaba mostrar la vida de Gonzalo España en su casa, con su familia, con sus amigos e incluso sus amigos políticos como la gobernadora de aquel entonces Ivonne Ortega, que aparece en el documental. En sí es un trabajo que trata de mostrar todas las facetas de Gonzalo y su importancia para la sociedad yucateca.

¿QUÉ TAN DIFICIL FUE LLEVAR A CABO ESTE PROYECTO?
Fue difícil porque aunque él estaba de acuerdo en que hiciéramos el documental a veces no me hacía partícipe de cosas importantes que pudimos haber filmado, aunque en general nos abrió las puertas de su casa, nos invitó a sus eventos políticos y a sus shows, en ese aspecto la dificultad fue mínima. Un obstáculo fue cómo financiarlo, ya que fui la productora y directora, por lo que terminé poniendo mucho de mi propio presupuesto, pero quedé feliz de haberlo terminado.

¿CÓMO MANEJAS QUE LA GENTE CREA QUE ERES GAY POR INTERESARTE EN ESTOS TEMAS?
Realmente no tiene mucha importancia. He escrito mucho sobre este tema porque me interesa, si hay gente que cree que soy lesbiana está bien, pero mi carrera es aparte, nada que ver. Yo documento temas de interés y esta vez fue la comunidad gay quien llamó mi atención y en particular Gonzalo España, porque fue un hombre coherente con su forma de pensar toda su vida desde que se asumió como gay, que se atrevió a hacer lo que muchos otros no hicieron. Lo admiré mucho tiempo por esa capacidad de lucha y es lo que quería plasmar.

ACTO II: EUGENIA Y JOSÉ REVUELTAS
por ERIC EDUARTE VILLA
fotografía FERMÍN REVUELTAS

El festejo del centenario del escritor José Revueltas no podía quedar atrás por el séptimo arte. Este año, dentro de la sexta edición del Festival de Cine Mexicano, se le hizo un homenaje con la proyección de la película El Apando que se basa en una de las mejores obras literarias del escritor mexicano nacido en Durango, y justo pasado su aniversario se estrenó el documental Hay Revueltas para rato de la realizadora duranguense Eugenia Montalván Colón, quien presenta su segundo largometraje este año.

Después de disfrutar el mezcal con Eugenia llegó el día de leer y de ver parte de la vida de José Revueltas en lo que refiere al más reciente trabajo de la artista visual de Durango. Un documento histórico que queda para la posteridad, con la participación de diversos escritores, fotógrafos, historiadores y hasta actores; en los que destacan: Eva Bodenstedt, Alba del Campo, Rosalío “Chalío” Salas, Evodio Escalante, Eusebio Ruvalcaba, Enrique González Rojo, Eduardo Lizalde, Moura Revueltas, entre otros. También se tuvo la participación dentro del documental al actor mexicano Mario Zaragoza, quien al día siguiente de la proyección se presentó en la capital de Durango con su monólogo “Dios en la tierra”, de la autoría de Revueltas.

La directora del documental comentó que la obra de José es difícil por el tipo del enriquecedor lenguaje narrativo que maneja, pero que es posible asimilarlo por cualquiera. De esta manera se dio en tierras duranguenses la semana de la celebración del escritor Revueltas, quien a sus cien años se sigue escuchando y leyendo sus letras, pero sobre todo, tomando sentido en estos tiempos del reclamo de la sociedad hacia la fracturas políticas en las que se ha visto inmerso nuestro país.

ACTO III: EUGENIA Y EL MEZCAL
por ERIC EDUARTE VILLA
fotografía CORTESÍA

Cuando sentimos o nos encontramos con algún objeto que pareciera no tener mucho sentido, de alguna manera buscamos entregarle ese sentido. La visión de un artista es tan misteriosa y asombrosa como el mismo universo. Querer hacer un documental sobre una bebida que muchos les agrada degustar sonaría irrelevante, pero al ver el trabajo de la artista visual Eugenia Montalván Colón nos damos cuenta que cualquier cosa, producto en este caso, tiene bastante qué contar.

El reciente trabajo cinematográfico de Eugenia nos traslada al municipio de Nombre de Dios, dentro de nuestro estado de Durango. Ahí el documental toma vida, mostrándonos y haciéndonos espectadores al apreciar a personas que se esmeran día a día en sembrar su vida. DESDE QUE DIOS AMANECE nos presenta a un grupo de campesinos especializados en el proceso de la elaboración del Mezcal.

Pero no sólo es ver el mezcal como una figura de cine, el documental a la vez cuenta la vida de estos vinateros que a diario llevan el pan a su mesa gracias a la fabricación y venta de este embriagante; transformando el mezcal en una identidad, en una cultura de la ciudad de Nombre de Dios, y hasta cierto punto este trabajo audiovisual llega a ser una manifestación social para mejorar estas regiones humildes donde su sustento no va más allá de vender una botella de esta amarga y embriagante bebida.

Con dos funciones en menos de un mes el trabajo de la realizadora duranguense obtuvo una excelente aceptación por parte de los asistentes, donde se tuvo como invitados especiales a los mezcaleros protagonistas de este documental, a la vez que se pudo disfrutar del producto que ellos elaboran. Eugenia destacó la facilidad que contó por parte de la gente de esta región para lograr este material, y lo que la impulsó y motivó a realizarlo fue su simple gusto por el mezcal. Salud.

Uma de Suárez: la filosofía de las pasiones musicales

texto ANDREI MALDONADO
fotografía CARLOS DE LA BARRERA

Parafraseando a Hegel podemos decir que Dios está en la música ya que esta, en todo sentido, es un acto sagrado, sanador y elevado, por el cual las personas no solo experimentan una catarsis, sino también un vuelco, un regocijo.

En la escena local duranguense pocas veces encontramos apuestas como las de Uma de Suárez, una agrupación que combina a la perfección la experiencia de cada uno de sus integrantes y el nervio en el estómago de tocar por primera vez en cada recital.

¿CÓMO NACE EL PROYECTO, CUÁNTO LLEVAN TOCANDO?
El proyecto nace en la ciudad de Durango, la banda como tal tiene varios años de antigüedad. En un inicio el proyecto estuvo formado por tres integrantes, los hermanos Alcántara y Carlos Carrillo Ruvalcaba (ex miembro de la banda), quien tocaba el acordeón. El sonido que generaban comenzó siendo experimental, con toques de folk y sonidos electroacústicos.

A finales del 2013 Carlos Carrillo abandona la banda, razón por la que Orlando y Daniel deciden invitar a nuevos músicos para seguir con el proyecto. Para inicios de febrero del 2014 Inés se une a la agrupación y, poco después, Roberto. Con este cambio, el sonido de la banda también se regeneró y se convirtió en lo que hasta el momento hemos llamado Trip-Hop Abstract.

¿POR QUÉ LLAMARSE UMA DE SUÁREZ?
"De Suárez"... Ese apellido nunca me ha sonado como tal (Orlando). Primero fue 'De Suárez', pero luego nos dimos cuenta de que Luke Castillo tenía una banda llamada igual, entonces Dany propone que le pongamos Uma De Suárez, por Uma Thurman, de quien es admirador.

¿QUIÉNES INTEGRAN LA BANDA?
Inés Del Palacio Montiel (voz y guitarra), Roberto Díaz (bajo), Daniel Mijares [Daniel Alcántara Bedolla] (guitarra y sintetizadores) y Orlando Alcántara Bedolla (batería y percusiones).

¿BAJO QUÉ GÉNERO SE DEFINEN?
Lo que Uma De Suárez hace es, sin duda, una mezcla, una síntesis de un montón de música que hemos escuchado y que nos agrada. En sí nos gusta definirlo como 'Trip-Hop Abstract'. Hay toques del trip-hop, el rock alternativo/independiente, el hip-hop, incluso el dream pop.

¿CÓMO HA SIDO LA EVOLUCIÓN DE UMA DE SUÁREZ?
Como mencionamos en la primera pregunta, la banda ha pasado por dos etapas. Esta es una nueva etapa y estamos enfocados en ella, en el presente. La llegada de Inés cambió por completo el sonido de Uma de Suárez, aportando riqueza melódica y lírica, mientras que el bajo le dio fuerza y estabilidad, transformando y re-definiendo totalmente el estilo. Orlando y Daniel han re-definido también sus fórmulas, que ahora son mucho más elaboradas y cuidadas. Dany, por ejemplo, tiene mucho cuidado con la riqueza armónica de nuestras piezas, mientras que Orlando le da sonoridad y orquestación. Cada uno va aportando pequeños toques a esto para que la pieza quede terminada y nos satisfaga.

Además del sonido, está el plano personal, y podemos decir que nos encontramos en un punto importante para todos, creemos que es el momento preciso para hacer algo juntos y nos alegra habernos, de alguna manera, encontrado para ello. Todos tenemos tiempo en el ambiente musical, haciendo diferentes cosas, pero ha sido muy grato el darnos cuenta de lo bien que nos llevamos y lo mucho que congeniamos al hacer música. Se siente una química muy padre, muy respetuosa y sobre todo muy motivadora, porque todos tenemos mucho talento. Ahorita estamos simplemente enfocadísimos, hemos estado grabando y tocando mucho. Recientemente abrimos nuestro canal de soundcloud (estamos como Uma De Suárez) y estamos comenzando a subir algo de nuestro trabajo.

¿CUÁLES SON SUS PRINCIPALES INFLUENCIAS, TANTO MUSICAL COMO LÍRICAMNETE? ¿Y VOCALMENTE?
Musicalmente son variadísimas. Van desde la música clásica, pasan por el rock clásico, hasta el rock contemporáneo, sobre todo alternativo, rozando géneros como la electrónica, el progresivo, lo experimental y llegan hasta la música popular, como los ritmos latinos o el folk. Algunas de las bandas que más han influenciado a Uma De Suárez son Radiohead, Cocteau Twins, Portishead, Bjork, Caifanes, La Barranca, NIN, Joe Cocker, The Mars Volta, entre muchas otras que no sólo han influenciado sino que inspiran a la banda. No ha sido la música su única influencia e inspiración, también la literatura y el cine.

- (Inés): en cuanto a las influencias líricas y vocales, yo tengo un gusto muy fuerte por la poesía, de hecho escribo. Suelo enfocarme mucho en mis sentimientos y generalmente parto de ellos para comenzar a escribir, luego voy retomando elementos que están en el paisaje, en las personas que me rodean. Algunos de mis escritores favoritos son Eduardo Lizalde, Whitman, Arthur Cravan, Pizarnik, Storni, Sabines, Paz, entre muchos otros. Con excepción de Whitman, que era más romántico, y Paz, que tenía un estilo un tanto diferente, creo que me identifico y me parezco mucho a este tipo de escritores, algo melancólicos y existenciales.

Obviamente no solo me inspiran escritores, también otros músicos, como Robi Draco Rosa, por ejemplo, él también es poeta, un excelente cantautor y músico. Vocalmente, hay algunas grandes influencias en mi vida. Te diré que una de las voces que me marcó, siendo una adolescente, fue precisamente la de Beth Gibbons, de Portishead. Recuerdo que un amigo me prestó un DVD con algunos de sus vídeos, escuché primeramente 'All Mine'; es un video en b&n donde aparece una niña "cantando". Me impactó la voz que escuché.

Otra gran voz es la de Bjork, y no sólo su voz, es su estilo simplemente. Me parece una mujer totalmente aventada, talentosa y vanguardista, ella me inspira. Y bueno, diré que hay muchas voces que me enamoran, pero mencionaré a una más: Elizabeth Frazer, vocalista de Cocteau Twins. Conocí a esta banda en la prepa y me clavé profundamente en su sonido, hasta hoy sigo obsesionada. Su voz es la más hermosa de todas y, curiosamente, esta banda creo que representa los cimientos, los antecedentes del trip-hop.

¿QUÉ IMPRESIONES HAN PODIDO CONSTATAR EN EL PÚBLICO DURANTE SUS PRESENTACIONES?
En general hemos recibido buenas respuestas, la gente suele guardar silencio y poner mucha atención, a varios les agrada, recibimos comentarios positivos, tanto en persona, como en redes sociales. Incluso en otros estados de la república ya hay gente que está escuchando nuestra música y les agrada, incluso la comparten. A algunos les gusta la música, que es calmada, pero mantiene toques de intensidad, a otros las letras.

RECIENTEMENTE COMPARTIERON ESCENARIO CON KINKY ¿CÓMO FUE ESA EXPERIENCIA?
Fue un gustazo abrir escenario para Kinky, es una banda consolidada y eso nos motiva a dar lo mejor. Tuvimos que lidiar con detalles típicos de la organización, pero nada fuera de lo normal. Lo disfrutamos.

¿CUÁNTAS CANCIONES TIENEN GRABADAS Y DE QUÉ HABLAN?
Hasta la fecha contamos con 6 canciones de nuestra autoría, tres de ellas forman parte de un proyecto de grabación organizado por el Instituto de Cultura del Estado de Durango (ICED), mismas que fueron producidas por Luke Castillo (productor y músico tapatío), y tres más -parte de nuestro próximo disco de larga duración- producidas por Carlos De La Barrera (productor duranguense). Estamos componiendo, así que próximamente serán más.

Nuestras canciones hablan de temas comunes, sobre todo sentimientos, algo que todos hemos experimentado. El amor, la muerte, la tristeza, la melancolía, el vacío. 'Border' y 'Ensueño' son dos de nuestras primeras canciones, ambas están inspiradas en el amor perdido, en el 'quiebre' de una relación. Ensueño, de dos párrafos, habla del des-balance posterior a una ruptura.

Border es un juego de palabras y sonidos que nos habla de la inestabilidad que puede existir en el amor, sus extremos y la delgada linea que separa todo. 'There's not Place For Us' es una rola en la que colaboró Stoner, un excelente rapero duranguense, y hay una mezcla entre temas sociales y personales, por ejemplo la ausencia de su padre y, al mismo, tiempo la rivalidad que impera en la sociedad, la lucha por el dominio. 'Prayer' es una rola muy íntima y fuerte, está dedicada al padre de Inés, quien falleció recientemente y es también un juego de palabras que oscila entre una plegaria y un reclamo. Nuestra última rola grabada aún no tiene nombre, pero está inspirada en el dolor, en aquellos momentos oscuros por los que todos atravesamos, sentimientos que son difíciles de mencionar y afrontar, como el vacío.

¿QUÉ PROYECTOS TIENEN EN PUERTA?
Nuestro proyecto a corto plazo es seguir componiendo y grabando para terminar nuestro LP. Estamos también por grabar un videoclip, en cuanto lo tengamos listo lo subiremos a la red. Viene un toquín próximamente en Zacatecas, andamos preparándolo y esperamos poder seguir moviéndonos en el interior de la república, igual que en Durango.

Promueven el cine local y la práctica del inglés

texto y fotografía por ANDREI MALDONADO

El conglomerado cultural “The English Villains”, perteneciente a la Escuela de Lenguas de la Universidad Juárez del Estado de Durango, a través del Cineclub Universitario UJED, llevó a cabo una noche de proyección de cortometrajes de autores locales subtitulados al inglés para la práctica del idioma y de paso conocer más del séptimo arte.

Los trabajos exhibidos en el Museo del Aguacate fueron “Sin retorno”, de Roberto Cárdenas, y “Alicia”, de Andrei Maldonado, así como “Para el amor de mi vida” y “Abigail” de jóvenes estudiantes pertenecientes a la Universidad José Vasconcelos, los cuales compartieron con los asistentes la experiencia de adentrarse al mundo del arte audiovisual.

Benito González, fundador de “The English Villains”, compartió que el grupo cultural que encabeza continuará realizando acciones en favor de la cultura y el arte, con el objetivo de dar a conocer lo que se genera en Durango y de paso contribuir a que más personas aprendan directa e indirectamente un idioma tan básico hoy en día como lo es el inglés.

¿Es necesario recibir un premio?

por ANDREI MALDONADO

¿Es realmente necesario recibir un premio para saber si nuestra obra es valiosa? Para el mundo actual, heredero del estructuralismo del siglo XX, parece que sí. Esto lo vemos reflejado fuertemente en el cine, cuando las tapas de los DVD´s se llenan del palmarés obtenido por las cintas.

Más de una vez he escuchado frases como “cómprala, estuvo nominada al Oscar”. Ciertamente la calidad y los galardones van de la mano, sin embargo hay otro tanto de filmes que nunca recibieron un reconocimiento y son infinitamente superiores en contenido a las “multipremiadas”.

Otro efecto deleznable de este fenómeno de la “premieitis” es la facilidad con la que cualquiera se “sube al carro” de los ganadores. Explico. Cuando un director mexicano es nominado a los Oscars solemos escuchar expresiones como “vamos México” o “claro, es mexicano” o “están dejando en alto el cine del país”. Aclarar, el que sean mexicanos no convierte a sus películas en parte del cine mexicano.

Ejemplo de esto es Alejandro González Iñárritu, recientemente nominado a mejor director por Birdman, la cual acaparó otras ocho nominaciones. Salvo sus inicios como publicista y por la cinta Amores Perros, su trabajo se ha llevado a cabo fuera de nuestras fronteras ¿por qué, ahora que está a punto de llevarse la estatuilla, sí lo hacemos parte de nosotros?

No es tabú ni mucho menos que la gran mayoría de los cineastas nacionales exitosos han tenido que salir del país para ver sus sueños de filmar hechos realidad ¿no sería mejor que las autoridades, en vez de felicitar por Twitter, apoyaran a los creadores? ¿Y no sería mejor que en vez de tratar de apropiarnos de algo que no es nuestro apoyemos a nuestros directores viendo nuestro cine?

Buscan crear conciencia a través del cine

por ANDREI MALDONADO

La delegación estatal de la Secretaría del Medio Ambiente y Recursos Naturales (Semarnat), en coordinación con la Secretaría de Recursos Naturales del estado (Serenat) y la Dirección Municipal de Medio Ambiente invitan al público en general a disfrutar de las proyecciones de cine con temática ambiental que se realizarán en el marco del “Tour Cinema Planeta”.

Las cintas, que se exhibirán del 17 al 27 de febrero en las salas de Citicinemas de manera gratuita, tienen como objetivo generar conciencia en el espectador en temas relacionados con el aprovechamiento sustentable de los ecosistemas, sus recursos, su flora y su fauna, así de cómo el hombre debe interactuar sin trastornar el entorno natural.

Las películas que integran el catalogo son “Espantapájaros” el día 17 a las 12:30, “La sed del mundo” el 18 de febrero a las 12:00, “Fauna Urbana” el 19 de febrero, “La Máquina que hace estrellas” el 20 y 25 de febrero a las 11:30, “Maguey” el lunes 23 a las 12:30, “Río Negro” el martes 24 a las 12:30, “No hay lugar lejano” a las 12:00 el 26 y cerrará “Jalma” el 27 de febrero a las 12:00 del día.

Gabriel Chávez, un actor de doblaje "excelente"

por ANDREI MALDONADO

Desde junio de 1990 el actor de teatro, cine, televisión y doblaje Gabriel Chávez unió su vida con la de un personaje con el que, a su ver, lo único que comparte es su gusto por las mujeres: Charles Montgomery Burns, el icónico dueño de la planta nuclear de Springfield, hogar de la entrañable familia Simpson.

¿Actuación o doblaje, cual disfruta más?
Ambas, no puedes separar una de la otra en cuanto a disfrute, son muy diferentes una de otra para trabajar pero al disfrutarlas se debe hacer por igual. El doblaje lo disfruto mucho porque es tu voz lo que les da vida a otros personajes y juegas con ella, ya sea en caricatura o con actores reales. Por otra parte la actuación ha sido mi vida y mi sueño desde un principio.

¿Qué tanto hay del Señor Burns en Gabriel Chávez?
No mucho, solo que es muy coqueto, yo era muy coqueto de joven. Él es un amante de las mujeres, yo también. Es lo único, de ahí en fuera somos totalmente diferentes él y yo.

¿Cuál es el reto de dar vida a personajes totalmente opuestos?
Es un gran reto porque debes desprenderte de tu propia vida para darle vida a un personaje. Debes dejar de ser tú y transformarte en otro. Si tienes las tablas actorales lo puedes lograr, pero sí es un reto.

¿Algún episodio que haya sido especial?
Yo creo que todos. Si voy a trabajar en un capitulo tengo que entregarme totalmente. Pero algunos que sí me han dejado un especial sabor de boca han sido ¿Quién mató al Señor Burns? Y Los Expedientes Secretos de Springfield.

¿Qué tanta libertad existe para el actor de doblaje en México?
Depende. Si eres novel, si apenas comienzas en esto, cuidado, absolutamente no se te va a permitir hacer cambios a los diálogos. Pero si ya tienes un nombre, si ya tienes experiencia, lo puedes hacer. Ahora si yo siento que hay algo qué cambiar según la personalidad del personaje que voy a doblar yo se lo cambio, porque ya sé de esto, aunque siempre trato de que haya acuerdo con el director. En Los Simpson yo improvisé muchísimo.

Además del Señor Burns, ¿algún otro personaje entrañable?
Muchos, pero en especial el abuelito Phil de Hey Arnold. Han sido muchos personajes entre series, películas y caricaturas, más de diez mil quizá.

¿Y del trabajo actoral?
Ha sido también muy basto. Más de 20 películas, varias series, decenas de obras de teatro. Más de 15 años en series unitarias de TV Azteca. Este año estrenamos una película, el próximo concluyo otra con Carmen Salinas. Actualmente estoy en la serie Niño Santo de Canal Once. Muchos personajes.

¿Cuál es la sensación que le embarga al convivir con sus fans?
Agradecimiento. Es difícil trazarte metas y cumplirlas, pero más aún conservarte. Yo llegué hasta donde quise y me he mantenido porque no soy una diva ni mucho menos, me he conservado gracias al afecto que me dan los fans.

Cuando llegó el momento de separarse de Los Simpson ¿Cómo fue manejarse lejos de ese entorno pero a la vez seguir siendo para muchos el Señor Burns?
Yo siempre quise poner un sello y dejar una huella. El hecho de que nos los hayan quitado por un lado fue triste, fueron tiempos difíciles, pero ¿qué lograron con suplantarnos a nosotros los cinco actores originales? Darnos más trabajo. Cuando perdimos a Los Simpson empezamos a visitar Latinoamérica. Somos muy queridos y a donde nos piden ir ahí vamos.

Sebastián Silva y la titánica labor del cine

por ERIC EDUARTE VILLA

Conocido por sus amigos cercanos como Batán, Sebastián Silva ha sido uno de los directores del cine mexicano que ha trabajado a lado de reconocidos cineastas a nivel mundial como James Cameron, Alejandro Gonzales Iñarritu, Guillermo del Toro, Robert Rodríguez, Terrence Malik, Julián Schnabel, Robert Zemeckis, entre otros. Su trayecto fílmico se basa en ser asistente de dirección que lo ha sido tanto en primera como en segunda unidad de producción.

Recientemente Sebastián estuvo en Durango como parte del equipo de la serie ‘Texas Rising’, ahí nuevamente tomó las riendas en donde mejor se ha desempeñado, en la asistencia de dirección. Pero este dominio y experiencia como asistente, le dio el aprendizaje para enrolarse como director de un proyecto realizando así su primer largometraje: El viaje de la nonna, una cinta que se inspiró en una vivencia personal del mismo Sebastián.

En su breve estadía en tierras duranguenses por motivo de la filmación de la serie, su película fue proyectada por parte del Cine Universitario de la UJED, en dicha proyección se tuvo la presencia de Silva, quien compartió con los asistentes una charla donde habló del arduo y monumental trabajo como asistente del director en una producción fílmica.

Entregando un poco de su conocimiento, experiencia y anécdotas; comentó que unos de sus trabajos más agotadores fue en la película de Titanic, tras coordinar cientos de personas del crew así como del cast. Agregó que en ocasiones el asistente de dirección toma el papel de villano, ya que es quien debe de mantener un equilibrio entre el director y el resto de la producción, carga con el mayor peso del film y es quien debe poner el orden en el set.

Al igual platicó de lo que representó su ópera prima y todo lo que vivió para decidir escribir y filmar el guión. Entre las demás películas que ha colaborado como asistente destacan Babel, Antes que anochezca, Little Boy, To the wonder, Desesperado, Licencia para matar, Cronos y Los últimos días del edén.

Denuncian censura contra película "Cuatro Lunas" en Durango por homofobia

texto ANDREI MALDONADO

El secretario de la Comisión de Diversidad Sexual del PRD, Tadeo Campagne, denunció que los integrantes de la asociación civil Red Familia han presionado a los empresarios cinematográficos para evitar la proyección en Durango de la película “Cuatro Lunas”, cinta mexicana de temática gay que se estrenó este jueves a nivel nacional.

El integrante del Partido de la Revolución Democrática ahondó en que dicha asociación se ha pronunciado abiertamente en contra de la unión entre personas del mismo sexo y todo lo relacionado a la cultura de la comunidad LGBTTTI, por lo que esta película, que aborda el tema de los matrimonios igualitarios y la aceptación social, ha resultado ser blanco de la censura y la homofobia.

Campagne señaló que ya se ha tenido diálogo con la cadena comercial que había pactado el estreno del largometraje en 22 estados para que, por medio de la presión en redes sociales, se pueda reprogramar el estreno en Durango para la próxima semana; “es una película galardonada en festivales internacionales y no se le puede negar a la gente verla solo por la homofobia de unos cuantos”.

El Lado Oscuro del Corazón: el duro oficio del poeta

texto ERIC EDUARTE VILLA

Si hay que buscar la poesía dentro del cine, hay que mirar al lado oscuro del corazón. No esperemos encontrar los más dulces versos para enamorar. El desamor y la nostalgia siempre nos brindarán las palabras más sutiles para sentir, para amar, para olvidar.

De la mano del escritor uruguayo Mario Benedetti nace una de películas más románticas y oscuras. La cinta dirigida por el realizador argentino Eliseo Subiela nos introduce a los sitios más melancólicos donde el amor surge en los cabarets a la media noche. En esos rincones donde el humo del cigarro se mezcla con las luces rojas y hacen un baile exótico entre las sombras, ahí donde la melancolía se siente acompañada en medio de la soledad.

El personaje en este ambiente de cabaret es Oliverio Girondo, un desterrado por un pasado amoroso y trágico, recurre constantemente a distintos labios buscando al ser que le acompañe sin pena, aceptando sus alas rotas. Oliverio no quiere a alguien quien sólo lo satisfaga en el lecho de sábanas, cuando ha visto en ellas que no saben volar, las despide a través de una cama algo surrealista. A Oliverio no le queda otra que asistir a los bares y burdeles de noche en busca de su compañía de viaje. Tiene que ser ahí donde consigue ver a ese ser que deambula al igual que él.

Ana, una prostituta, es con quien Oliverio decide volar. Pero no sólo es Ana quien se encariña del mismo Oliverio, sino la soledad misma representada por la muerte en el cuerpo de una bella mujer que intenta seducirlo con la misma sensualidad que cualquier otro amor de los lugares de seducción, un papel encarnado por la cantante argentina Nacha Guevara.

El personaje de la muerte toma un gran sentido para Oliverio, no lo sigue por quererlo, puede ser un ente que el mismo Oliverio guarda como alternativa en caso de no encontrar a la que vuela; como la misma muerte la hace llamar. Un punto elemental es cuando la misteriosa mujer de negro le dice a Oliverio: “¿Qué serías de vos sin mí?” después de que él la declara como un muerte puta, una muerte cruel.

Una oscura dama que acompaña a Oliverio en prácticamente todo el film, una muerte enamorada del poeta y una maestra para mostrarle a Oliverio que el amor es duro y cruel, le confiesa que intervine en casos de amor aunque a veces no sea justo. Le hace saber que el amor es una trampa para perpetuar la especie, un mecanismo como el trabajo que ella hace. Pero Oliverio le hace mostrar que no es lo suficientemente débil como para pagar el peaje tan pronto hacia el destino de todos, ahora es él quien le hace saber que el amor puede vencer incluso la muerte, enamorándola a ella, de esa manera tan sutil y demostrarle que cualquier bolero es mucho más importante para la historia de la humanidad que la Marsellesa.

Pero si hablamos de demonios con falda, no hay que llegar a imaginar que pueden ser de otro mundo paralelo, basta con amar y desear una chica viva. Oliverio se da cuenta que al llegar a la gloria hay que bajar de ella, es el precio de enamorarse. Cada uno tiene caminos distintos al otro y por más que se quiera ir en contra de eso no hay forma que así se contradiga. La muerte le comenta a Girondo que le advirtió que saldría herido. Oliverio busca hacerle entender que eso es el amor. El desamor nos parte el corazón y al herirlo lo crea, le da vida y sólo queda agradecer los buenos momentos que nos dejó, al final podría ser un consuelo. El lado oscuro del corazón no es tan vació como se ve.

Esta cinta de 1992 no puede ser contada sin el mayor aporte para su creación, y es hablar del poeta uruguayo Mario Benedetti (1920-2009), que junto a sus colegas prestigiosos de América latina, los escritores argentinos Juan Gelman (1930-2014), Oliverio Girondo (1891-1967) y el mismo director Eliseo Subiela, lograron dar una atmosfera melancólica y poética al guion.

Hay que mencionar que el nombre del personaje de Oliverio Girondo nada tiene que ver con el poeta argentino colaborador del guion. El mismo Eliseo lo aclara al final de los créditos. Si nos parece excelente la interpretación de Darío Grandinetti con los poemas del escritor de ‘Táctica y estrategia´ sublime es el Cameo del mismo Benedetti recitando en alemán uno de sus propios poemas, ‘Corazón Coraza’.

La poesía; el amor y desamor; la nostalgia y la muerte, no podrían completarse sin un elemento esencial, y esto se refiera a la composición musical de Osvaldo Montes, que supo introducir la melancolía y el dolor en su pieza ‘El azul’ así como el ‘Saxo solo’ que remite a la profundidad del amor que es clara y oscura al mismo tiempo. Los boleros “Somos” interpretado por Lucho Gatica, “Algo contigo” y “La verdad Amarga” de la voz de María Martha Serra Lima junto a Trío los Panchos, le dan el toque bohemio a la película para complementar esta esencia de los cabarets, de los bares de seducción.

Philip Seymour Hoffman, el actor secundario de oro

por ERIC EDUARTE VILLA

Aquella voz grave y sutil, con una mirada imponente hacia los protagonistas de cada una de las películas donde actuó. Aquel joven rubio de gesto rudo que comenzaba a sobresalir entre las sombras de los grandes actores que robaban los reflectores y titulares en la meca del cine era Philip, quien con su carisma, humor negro y resplandores oscuros lograron catapultar cada una de sus cintas a grandes horizontes.

Nacido en Rochester, Nueva York un 23 de julio de 1967, desde muy temprano se consolidó en los escenarios teatrales neoyorquinos, al poco tiempo haría su debut frente a las cámara con la serie para la televisión, ‘”La Ley y el orden” en 1991. Al año siguiente iniciaría su viaje en el mundo cinematográfico, con su extraordinario método, reconocibles tics, inquebrantable coraje y dolorosa vulnerabilidad. En sus primeras apariciones en la pantalla grande comenzó a convencer a más de un director ganándose ese respeto que imponía en cada una de sus interpretaciones. Volviéndose un actor rentable, la mayoría de las películas en las que formó parte fueron éxito en taquilla y bien recibidas por la crítica internacional.

Mantenía una maléfica elegancia que no sólo le fue digna de respeto, le valió una gran admiración de sus colegas en la actuación, del público y de un Oscar en 2005 por su papel como el escritor: Truman Capote, en la película homónima del personaje con el cual será recordado. Y más allá de la estatuilla recibida lo será por esa actuación magistral, dejando de ser el Hoffman que conocíamos un personaje secundario, en esta ocasión era el protagonista. Un papel que lo hizo arrasar con premios, elogios, llevándose entre sus manos el globo de oro, el BAFTA y el Screen Actor Wild, dando así el paso más grande para un actor, la consagración dentro de la cinematografía mundial.

Pero hablar de Philip Seymour Hoffman no sólo es hablar de Capote. Nos ha dejado un legado actoral que desafortunadamente no podrá seguir haciéndolo crecer. Después del gran logro que le dejó Truman, fue llamado por los estudios Paramount para ser parte del elenco de lo que fue la tercera entrega de la saga de espionaje ‘Misión Imposible’ y aunque el cotizado Tom Cruise parecía robarse con anticipación las lentes de la prensa, fue Hoffman quien sería el aclamado por los fanáticos de la cinta de espías por la esplendida interpretación como Owen Davian, convirtiéndolo en uno de los mejores villanos en el cine.

Un gran ejemplo de que no es necesario tener el papel principal de una película para llevarse las palmas, nos lo demuestra en su papel como Paul Zara en la cinta ‘The Ides of March’ dirigida, escrita y protagonizada por George Clooney. Aquí Seymour nos da la maestría nuevamente que ser actor de reparto tiene un gran mérito y se puede sobresalir cuando otros nombres predominan en el cartel.

Caracterizó diversos personajes como un obsesivo predicador; figuras comprensivas; matones; artistas sensibles; un inescrupuloso periodista de la prensa amarilla; un extravagante oficial de la CIA; homosexuales y un solitario pervertido sexual. Demostrando ser un actor en su perfección, no importaba la complejidad del papel, siempre sabía cómo interpretarlo y volverlo realista en un universo de ficción.

Es raro encontrar una cinta donde haya participado y que tanto la crítica como la audiencia la hayan destrozado. Su amplia filmografía nos hace ver la importancia que representaba para el mundo actoral, es difícil no nombrar cada una de sus películas sin mencionar lo que hizo Hoffman dentro de ellas. Siempre enfocándose en sacar lo máximo de su trabajo, no obstante lo hacía igual con sus vicios y su salud.

Philip se fue en la cumbre de su carrera. Dejó mucho camino por recorrer en su ámbito profesional y personal, pero a su vez dejó una gran carretera de aprendizaje para las futuras generaciones deseosas de incursionar en el mundo actoral, ya sea para cine o para teatro.